Metal and Sequential Art

Reseña: Destroyer (Robert Kirkman)

2010-07-26T01:43:00.001-05:00

El Destroyer fue, hace unos 70 años un héroe que peleó contra la amenaza nazi en su propio territorio. Ahora, la editorial (Marvel Comics) decide "revivirlo" para una mini-serie de cinco números dentro de su línea MAX, donde presentan historias de contenido solo apto para mayores de 18 años.

Keen Marlowe (nuestro protagonista) tiene cerca de 100 años, 70 de ellos combatiendo al crimen y amenazas de todo tipo. Cuando su doctor le revela la situación en la que se encuentra su corazón, Keen aprovechará cada momento que le queda para hacer al mundo un lugar más seguro para su familia. El final es sencillamente sorprendente y en cierto modo nostálgico, poco obvio pero esperado.

Destroyer es... A grandes rasgos, una buena manera de refrescar la presencia del personaje en estos violentos tiempos modernos. Haciendo notar más su energía a la hora del combate y lo sucias que pueden ponerse las cosas cuando entra en acción.

Robert Kirkman en el guión supo acoplarlo a esta era, agregando detalles como la condición física de su esposa y Cory Walker, el encargado de los dibujos, imprimió suficiente realismo en los momentos necesarios, así como a la hora de manchar los ojos del lector con la sangre derramada por la escoria perseguida por el Destroyer.

¿Recomendable? Sí, ¡mucho!

Para los curiosos, aquí las cinco portadas

Kiss - Alive II

2010-07-26T01:33:00.000-05:00

Proveniente de una banda que ya tenia éxitos y obras maestras del hard rock de los 70s, Kiss revela su segundo disco en directo: Alive II. Estando en uno de los puntos mas altos de su carrera, comienzan la grabación de esta maravilla en el tour de Love Gun, que comenzó en Agosto de 1977. Talvez uno de los primeros puntos “negativos” del álbum sería el hecho de que no repitieron las canciones del primer Alive! o talvez sea un punto bueno pues le dio espacio a mas canciones de los que en ese entonces eran sus discos mas recientes (Destroyer, Rock and Roll Over y Love Gun). Como sea al mismo tiempo trajo versiones en vivo de canciones que ahora son legendarias en Kiss (God of Thunder) pero lo mejor será comenzar bien con esta reseña.

El silencio se rompe por los gritos del público, oir algo así en esa época te transportaba al lugar si es que no habías estado ahí. Una voz grita: ”You wanted the best and you got the best! The hottest band in the world… Kiss!” para despues oir el riff inicial de Detroit Rock City abriendo el concierto, demostrando como entregan su energía a las canciones, principalmente Paul y Gene a la hora de cantar sus temas, lo mismo pasa con Ace y Peter. Mientras comienzan con este directo tan recordado al fondo se oyen los gritos de la gente y su asombro al llegar el melancólico solo de Detroit Rock City ejecutado por Ace y seguido por Paul.

Siguiendo brevemente el orden del Destroyer llega King of the Night Time World alentada como siempre con los gritos y fuerza de Paul a la hora de interpretar sus temas. El famoso solo con tonada fiestera y el típico final de caos controlado acaban la canción.

Paul dirige las primeras palabras al público mientras este sigue completamente alucinado por disfrutar de un concierto así. El primer momento de Gene (vocalmente) llega con Ladies Room del Rock and Roll Over, la manera en la que Gene canta (en esta y en el resto del disco) es su perfecta combinación de voz grave con lo que se podrían considerar como agudos, una muy buena voz para el hard rock mas pesado. Continuando con las canciones del Rock and Roll Over sigue Makin’ Love… Me reservo la explicación de la letra de esta canción para cuando reseñe el disco en donde viene jejeje.

Y como el tour donde se grabó este directo fue el tour del Love Gun, esa es la canción que sigue en el setlist. Una versión en vivo donde el bajo de Gene se destaca bastante bien aunque la batería de Peter no suene tan pesada como en la versión de estudio, aun así el solo de Ace se mantiene intactamente maravilloso. Y por si todo eso fuera poco, Paul canta con una voz mas desgarrada poniéndole más sentimiento.

Ahora el disco en vivo realmente supera al disco de estudio: Calling Dr. Love y su riff inicial suena mas distorsionado y fuerte en vivo. De nuevo le toca a Gene cantar, haciendo uso de sus clásicos gritos ”Yeaaah!”. Con una voz más grave especialmente guardada para la canción. Christine Sixteen llega sin avisar a la audiencia y de nuevo suena mas fuerte que en el estudio y menos inocente debido al hecho de dejar el piano de lado.

El momento de Ace: Shock Me. Aunque resulte increíble suena levemente mas flojita que en el estudio, talvez se deba a la timidez natural de Ace, pero aun así incluye su solo, que es donde Ace más se libera. Al acabar la canción hacen un pequeño puente hasta llegar al ya mencionado solo que solo puede ser descrito como “cósmico” debido al nombre del personaje de Ace (Space Ace).

Momento para otro miembro de la banda: Peter Criss cantando Hard Luck Woman, balada tan amada como Beth. Resulta ser también donde el bajo de Gene se luce de nuevo (pero seamos sinceros, lo único que se oye es una batería y guitarra suave, ¿quién no oiría ahí un bajo?). Al fondo se oye a los fans gritar de emoción por la voz de Peter cantando tan bella canción…

La última canción del disco 1 de 2 en este álbum en vivo: Tomorrow and Tonight con un sonido mas rocanrolero incluyendo la manera de cantar de Paul y la batería delicadamente ejecutada. Proveniente del Love Gun cuenta con un genial solo hecho por Ace que ni él se creia. La canción acaba con el silencio del público, mismo silencio que desaparece al empezar el segundo disco.

I Stole Your Love abre el segundo disco con buena mezcla de riffs que rayan en rock n roll-hard rock. Cantada con mucha emoción y ejecutada con mucha fuerza (excepto por Peter quien parece no ponerle mucho empeño a su instrumento).

Momento de contrastes: Peter canta la increíble Beth con mas sentimiento que Hard Luck Woman, ese es el momento en el que el público le pertenece a Peter y a nadie mas, ni a Gene, Paul o Ace. La introducción de teclados hace que el público se derrita y cuando Peter comienza a cantar, pues no hace falta mencionar como se ponen, le siguen el compás con palmadas tranquilas como la canción. Los leves errores de Peter a la hora de cantar con su voz ronca le otorgan más emoción al tema.

Aquí esta el motivo del contraste, luego de un tema tan bello como Beth llega el momento mas oscuro del concierto… God of Thunder y la breve introducción con el bajo de Gene, más rápida que la versión de estudio, con un sonido mas pesado y con una voz mas tenebrosa de parte del Demon. Al momento de recitar ”The Spell you're under… Will slowly rob you of your virgin soul” es terminado por Paul de voz mas aguda para crear la sensación de transición. Luego de repetir esto por segunda vez llegan los 2 solos, el de guitarra por Ace y el más importante: el de Peter y su batería. Desafortunadamente, resulta muy corto el solo que hace en el álbum, talvez para motivar a los fans a que fueran al concierto de verdad y oyeran el verdadero solo de batería que se alargaba tanto como el tema 100, 000 Years. Luego de acabar esto, Gene saca una voz (modificada por supuesto) mucho más tenebrosa que cualquier cosa en esa época, buena manipulación del equipo de producción.

Un tema que yo encuentro un poco flojo es el I Want You, sobretodo después de un tema tan grandioso como el anterior. Escuchar repetidamente ”I want you” no resulta muy entretenido.

El concierto termina con Shout It Out Loud, con el dueto Paul-Gene. La batería finalmente suena con fuerza y también suena un poco más rápido que en estudio.
A Gene se le notan señales de cansancio, su voz no se acomoda tan bien como la de Paul a pesar que Paul cantó más.
Las siguientes 5 canciones fueron grabadas en estudio para rellenar el segundo disco, en algunas canciones Bob Kullick participó como guitarrista sustituyendo a Ace.

All American Man inicia con un riff afiladamente descriptible como heavy metal a pesar de que la bateria no lo refleje tanto. El primer verso: ”Mama told me, "Your lady's lookin' for another man"”, da a entender el pensamiento de todo hombre americano, que lucha por mantener consigo a su mujer. Un solo de guitarra que normalmente pensaría fue hecho por Ace pero enrealidad fue ejecutado por Kullick.

Rockin’ in the USA me recuerda a Christine Sixteen por el riff inicial, como sea, esta bien hecha, mantiene el espíritu de Kiss recargado en la voz de Gene. ¿Significado? El título lo dice todo: Rockear en los EUA, parrandear e ignorar a todo aquel que no lo haga. Oir a Gene recitar el título con la voz de Paul al fondo es interesante.

Larger Than Life es la única de las canciones de studio que no me pareció muy buena. Riff cortado con un mini solo al inicio, cantada por Gene de una manera aburrida. El riff sobrepasa la voz de Gene de vez en cuando, eso es una producción no tan buena. Ritmo lento y con un mensaje interesante: el amor de Gene es demasiado… Más largo que la vida (que como todos saben es muy corta). Talvez sea la manera en que canta a dueto con Paul lo que provoque que no me guste mucho este tema.

Rocket Ride parecería el tema perfecto para Ace, sin embago, injustamente él solo tocó el bajo en esta canción mientras Bob tocaba la guitarra. Aun así tiene un buen inicio y buena atmosfera espacial. Con ese riff lleno de efectos, un lado positivo es que Ace sí la canta dandole su toque de cosmicidad. Muy buen tema. Con un solo de guitarra que de seguro provocó celos en el pobre Ace.

Any Way You Want It, parecida a All American Man por el inicio, cantada por Paul y seguido por los demás con sonido mas rock n roll.

La batería sonando menos fuerte que en estudio, el corto solo de bajo de Gene y el corto solo de batería de Peter, las canciones de relleno y el hecho de que la mayoría de las canciones son de Love Gun y Rock and Roll Over(dejando de lado grandes obras del Destroyer), con todos sus puntos negativos sigue siendo un buen álbum en vivo, no tan bueno como el primer Alive! pero tiene lo suyo que lo hace especial.

Me lamento por la poca cantidad de enlaces pero no hay videos que sean exactamente de la gira del Alive II.

Una última cosa, los lugares donde tocaron las canciones:

The Forum, Los Angeles, Agosto 25-28 1977:

*Detroit Rock City
*Ladies Room
*Makin’ Love
*Love Gun
*Calling Dr. Love
*Christine Sixteen
*Shock Me
*I Stole Your Love
*Shout It Out Loud

Capital Theatre, Passaic, NJ and Electric Lady Studios, New York City, NY, September 1977:

*Hard Luck Woman
*Tomorrow And Tonight

Budokan Hall, Tokyo, Japan, April 2, 1977:

*King Of The Night Time World
*Beth
*God Of Thunder
*I Want You

Track List

Disco 1

1. Detroit Rock City - 3:58
2. King of the Night Time World - 3:06
3. Ladies Room - 3:11
4. Makin' Love - 3:13
5. Love Gun - 3:34
6. Calling Dr. Love - 3:32
7. Christine Sixteen - 2:45
8. Shock Me - 5:51
9. Hard Luck Woman - 3:06
10. Tomorrow and Tonight - 3:20

Disco 2

1. I Stole your Love - 3:36
2. Beth - 2:24
3. God of Thunder - 5:16
4. I Want You - 4:14
5. Shout it out Loud - 3:37
6. All American Man - 3:13
7. Rockin' in the U.S.A. - 2:44
8. Larger Than Life - 3:55
9. Rocket Ride - 4:07
10. Any Way You Want It - 2:33

Line Up

Ace Frehley - Guitarra líder, Bajo en "Rocket Ride", Voz
Paul Stanley - Guitarra rítmica, Voz
Gene Simmons - Bajo, Guitarra rítmica en "Larger Than Life", Voz
Peter Criss - Batería, Voz

Lamb of God - Ashes of the Wake

2010-05-02T10:08:00.001-05:00

La verdad, siempre he visto con ojos bizcos al metal Americano, y no, no es por que odie a los gringos (de hecho simplemente me dan pena). Pasa que, tratándose de la Nueva Ola de Metal Americano (NWOAM), ésta banda se erige como la prueba definitiva de lo que es el metal (sea americano, alemán, británico, nórdico, sueco, chino, japonés, francés, australiano, mexicano, argento, chileno, etc…). Lamb of God demostró en sus tres primeros álbumes de qué estaban hechos, pero algo les faltaba, ni siquiera en el As the Palaces… tenían un estilo 100 % definido. Les faltaba aquello que muchos grupos estadounidenses tienen: crítica social, ojos abiertos hacia su sociedad y hacia su poca o nula cultura.

Si desde Burn the Priest se percibía toda la caña bruta y con New American Gospel la maquinaria de lana comenzaba, estas cenizas de la vela son así como lo que les da el trono y título de grandeza. Señores, esto es Ashes of the Wake, por Lamb of God.

No me canso de decirlo y tal vez sea porque no soy el único, pero el documental Metal: A Headbanger’s Journey fue aquello que me hizo conocer a este grupazo y precisamente con una canción de este disco: Laid to Rest. La primera vez que esos riffs traspasaron mis oídos pensé que se trataba de alguna rolita de Slipknot… De haber sabido que estos sureños le daban cientos de vueltas a esos gusanos… Meeeentira… Pero es en serio.

Randy Blythe, posible heredero (joder, estoy exagerando, lo sé) de Phil Anselmo, demuestra su versatilidad (¿) vocal desde el principio… y luego se queda con el mismo tono de hardcore, claro, con sus buenos gritos que están de miedo y que se merecen guiños. La batería es demoledora, he tenido la oportunidad de oír únicamente la pista de las percusiones y déjenme decirles que, JJ de Maggot Guys (ya saben quienes son) debería tenerle envidia a Chris Adler. No hablaré de las guitarras, no hace falta, son sencillamente una colección de monstruosos y perfectos riffs.

Hourglass te agarra de los huevos y te mantiene pegado a la cosa esta. Tiene toques heavies que fascinan a quien sepa encontrarlos, tiene cambios vocales y así se va, con su cambio de tempo a la mitad, con los punteos perfectamente acompañados por el bajo y con los ataques entre versos hacia el final. Nada, y digo nada, se compara con esto, para bien o para mal.

Los engranajes representados por guitarras distorsionadas y graves basslines resuenan hasta lo profundo de tu vacío craneo. Now You’ve got Something to Die For, cuanta furia y otra vez (o por primera vez) se nota la crítica, regaños y sermones a la estupidez moral abundante en Yankeeland. Los riffs armónicos llenan el aire y luego aparecen los elásticos que dejan un sabor de boca muy curioso, casi generan una sonrisa, me atrevo a decir. Y la recitación final del título es brutal, escabrosamente brutal, va directo a lo más profundo para que te enganches más.

The Fade Line es, junto con el tema anterior, una crítica dirigida a la Guerra de Iraq. Pero con tanto growl y demás cosa buena, a quién carajo le importa de qué trate… O incluso, quién carajo se fija. Las melodías ocultas y en algunos casos solitarias abundan para hacer épica a la canción. A lo último se oyen alarmas, con riffs sencillones, sacados de una tocada en un bar, pero uno ya no se da cuenta porque no le importa (¡).

Randy abre el tema Omerta aparentemente leyendo un trozo de papel (bueno, eso me imagino) diciendo algo así como ”Si yo vivo, te mataré, si yo muero, serás perdonado”… Dice más, pero no logro entenderlo lo suficientemente bien como para traducirlo. Y comienza, algo lento pero siempre pesado, para convertirse en unos disparos tremendos de demencia y rabia. Con unos riffs tan extendidos y mal afilados, con unos gritos que dan paso al rasgueo que trae consigo la lenta avalancha destructiva del resto de la canción.

Blood of the Scribe es la cancioncita rápida que todos quieren oír y que una vez escuchada dicen a ver… ¡Otra! ¡Otra!”, bueno, la velocidad no es constante, se intercambia con atmósferas cargadísimas de guitarras obesas y un doble pedal envidiable. Por ahí de los tres minutos, bajo y guitarras se combinan perfectamente para sonar pegajosos, embarrados de alguna sucia sustancia que hace que suenen tan bien y que intenta separarse de ambos instrumentos obligándolos a usar magníficas distorsiones opacadas por los reclamos a todo pulmón de Blythe.

Ese sonidito de Nu Metal, de… No sé, metal moderno, que todos (TODOS) hemos escuchado se aparece brevemente al inicio de One Gun, otra dedicada a la Guerra de Iraq. Como decía, esa distorsión sólo es notoria al principio, porque después uno no vuelve a sentir su presencia (pero está ahí, créanme). Esto pone en evidencia la actitud de Lamb of God… ¿Qué? ¿Creyeron que lo explicaría? Hagan uso de su razonamiento, ¿sí? J

Break You se mueve en una línea similar a One Gun, me refiero a los últimos minutos del tema anterior, que aquí son los primeros. Explicación: Al final de One Gun, el sonido parece fuera de control, totalmente desatado y Break You empieza como la otra termina. Esto no dura, porque luego se escuchan los increíbles punteos y el tribal ritmo de la batería. Con unos atrevimientos vocales dignos del deathcore o como se le llame a esas corrientes. Creo que aquí es donde Randy se acerca más a ser otro Phil Anselmo (esta vez no creo estar exagerando). Sierras son usadas en lugar de guitarras en la última parte de la canción, donde solo se escuchan luego de que los versos son dichos. Awesome!

Otra rápidita: What I’ve Become. Y esta no solo al principio, sino abundantemente… Estoy enamorado. Incluso me hace pensar en el Divine Intervention de Slayer o en su Seasons in the Abyss. Otra vez, los alaridos “corianos” (porque vienen de algún “core”) aparecen pero en menor medida. Aún así es increíble y más si le sumamos el breve, discreto –y con épicas intenciones- solo de guitarra oculto entre el riff y el bajo. Betrayaaaal!!!, como diría Blythe.

Me quito el sombrero con Ashes of the Wake, pues trae a cuatro guitarristas haciendo lo que mejor saben: solos. El primero y el último solo son de Mark y Willie, respectivamente. El segundo y tercero son de Alex Skolnick (Testament) y Chris Poland (ex Megadeth), respectivamente. No ahondaré en sus labores pues mi vocabulario técnico no es lo bastante extenso, solo señalaré lo cargados que son los solos de los liros de la banda (Mark y Willie) y lo bien que suena Alex, tal y como lo recuerdo del Practice Waht You Preach, en cuanto a Chris, señalaré lo versátil de su sonido, sumado al ambiente que estos sureños crearon para la canción. A pesar de ser un tema instrumental, contiene al principio un fragmento de la entrevista al ex marine Jimmy Massey luego de su regreso de la Guerra de Iraq.

Inmediatamente termina el tema título, le sigue casi pisándole los talones Remorse is For the Dead que empieza de manera algo melancólica… Pero ¡jaaa! ¡Sigan soñando mis pequeños educandos y recuerden de quién estamos hablando! Lamb of God no se anda con cosillas así y trae de vuelta la caña, toda la tralla metálica de la que hemos sido testigos hasta el momento. Estan más que cargados, pareciera que la instrumental anterior hubiese sido únicamente un pequeño descanso, al menos para Blythe que vuelve a hacer uso de sus diferentes registros, yendo de sus normales growls hasta sus corianos (ya me gustó ese término) gritos. No tengo palabras para los últimos minutos de la canción, ustedes deben oírlo.

Fuerza a más no poder, este es el legado de las grandes bandas del pasado sintetizado en cinco chicos de Virginia, Estados Unidos. Herederos del sonido de Black Sabbath, de la técnica de cientos de bandas de thrash metal, de la fuerza del heavy y death metal, inclusive de la maldad del black metal, ellos son todo en uno (o en cinco). Ellos son Lamb of God, Pure American Metal!!!

Track List

1. Laid to Rest

2. Hourglass

3. Now You've Got Something to Die For

4. The Faded Line

5. Omerta

6. Blood of the Scribe

7. One Gun

8. Break You

9. What I've Become

10. Ashes of the Wake

11. Remorse Is for the Dead

Line Up

Randy Blythe - Voz

Mark Morton - Guitarra líder y rítmica

Willie Adler - Guitarra líder y rítmica

John Campbell - Bajo

Chris Adler - Batería

Alex Skolnick (de Testament) - Solo de guitarra en "Ashes of the Wake"

Chris Poland (ex Megadeth) - Solo de guitarra en "Ashes of the Wake"

AC/DC - High Voltage

2010-04-05T12:08:00.000-05:00

Hey Margaret, ¿ya tienes listo mi trajecito escolar? -No seas impaciente Angus, nadie se muere por verlos y menos por oírlos.

-Una típica conversación entre Angus Young y su hermana mayor Margaret, durante los inicios de AC/DC.

Y es que era ella quien le tenía qué cocer el traje, el cual apenas eran unos pantalones y muy de vez en cuando se le incluía la chaqueta. Oficialmente, High Voltage debutó en 1975, pero sólo en Australia. Fue hasta 1976 (Uff, mucho tiempo) que se distribuyó de manera internacional, eso sí, cambiándole varias canciones.

Estos eran los tiempos sencillos, donde la única presión era encontrar dónde tocar y cuando el único fruto del esfuerzo llegaba a ser máximo una botella de cerveza para cada quién o, en el caso de Angus, una botella de leche. High Voltage es el inicio de los escoceses australianos más conocidos del mundo de la música, e iba más o menos así:

Un solo riff, sencillón, es el de It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll), canción que relata lo difícil que es abrirse paso en la escena musical. Bon Scott hace su propio duelo de solos con Angus, Bon en la gaita y Young en la guitarra. Cuando oí por primera vez esa gaita, es decir, una gaita en una canción de hard rock me quedé pasmado, pero me encantó. Solo Bon Scott podría agregarle ese instrumento y aún así hacer sonar a la canción como una de las mejores del disco.

Rock ‘n’ Roll Singer es mas ‘relajada’ gracias a que la gaita se fue (no digo que no me guste la gaita…). Riffs y melodías se van abriendo paso desde el principio y el ritmo de toda la vida junto a la voz de Bon lo dicen todo: esta es una canción de AC/DC. Sin mencionar el estribillo tan asombroso. Eran los primeros pasos, pero sabían bastante bien lo que hacían.

Esta es una con la que a Bon le gustaba asustar a las chicas: The Jack. Se refiere a una enfermedad venérea, la cual ninguna dama quisiera tener, y cada vez que Bon recitaba “She’s got The Jack” todas se alarmaban. Es uno de los temas más lentos de AC/DC y uno de los que retienen la influencia blues rock que los integrantes recibieron desde jóvenes.

Live Wire tiene un inicio discreto, acompañado por un aún más discreto bajo que se pierde tan pronto entra el platillo y la guitarra entra a terrenos más familiares para nosotros. Esto se ha convertido en un hard blues que por ratos se tira al hard rock y otros al blues. Los ratos de blues son los versos normales, antes de llegar al estribillo donde se vuelve hard rock. Hasta ahora podemos notar que la mayoría de las canciones dura cerca de los cinco minutos, a diferencia de lo que harían después. El solo en esta canción es rockanrollero pero con ese toque que le daría fama y reputación a Angus dentro de unos cuantos años más.

Si no has oído T.N.T. te pierdes de muchas cosas que suceden en menos de cuatro minutos. El riff es de lo más pesado que se puede hayar en el álbum, la batería y su pedal son adictivos, los versos y estribillo son de sobra conocidos y el solo es el climax perfecto, para acabarlo como acabarían muchos de sus temas: tacatacatacatacata…ta! Reflejando así la ‘trama’ de la canción (¡dinamita, hombre!).

Can I Sit Next to You, Girl fue escrita por los hermanitos Young y se trae una melodía rockanrollera que queda opacada por el “tierno” mensaje que oculta. Los revoltijos de riff que hace Malcolm en los versos son increíbles. Bon recitando el estribillo así tan bajito y suavemente… Lo dice tanto así que pareciera que se lo dice a la chica directamente al oído, en plan de querer algo más que sólo sentarse junto a ella.

De vuelta al blues rock: Little Lover. Es lenta, repetitiva como solo el blues sabe y sobre todo, es de AC/DC. Entonces tenemos un tema calmado, con guitarras que aún no se definían como amas de los riffs más distorsionados de su época y en cambio iban cargados de melodías sencillas que aparentemente estaban mal logradas, por eso sonaban con una leve distorsión.

Algo para retratar la valentía femenina es She’s Got Balls. No crean que es sobre travestis, es sobre una dama con bastantes huevos (bolas) como para que su hombre le dedique una canción. Esto es verídico: la esposa de Bon le pidió que le dedicara una canción y Bon escribió esta… Ella lo abandonó. El riff no posee muchos cambios, es constante, cortante, directo y el solo es todo lo contrario. No es directo, pero te llega.

Cuando vi por primera vez el video de High Voltage sentí una nostalgia enorme. Ver a estos tipos vestidos de manera tan sencilla… Seguramente era un lunes cuando grabaron el video porque Angus iba vestido de blanco. Y el letrero con el nombre de AC/DC se veía tan improvisado, todo era tan… “Pobre”. ¿Qué puedo decir de la canción? Es perfecta: tiene riffs hard rockeros, tiene el ritmo de AC/DC, tiene los coros estribillados a los que nos acostumbrarían y tiene el solo de Angus Young lleno de inspiración. Este tema es el primero del futuro. Es el prototipo, junto a T.N.T. de lo que AC/DC sería en cuestión de pocos años.

High Voltage es un disco único en el hard rock, la frescura con la que lo hicieron, la época, la banda, en fin, sus elementos se combinan para crear el primer disco oficial (internacional) de una de las más grandes bandas.

Track List:

1. It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll) – 5:01

2. Rock 'n' Roll Singer – 5:04

3. The Jack – 5:52

4. Live Wire – 5:50

5. T.N.T. – 3:34

6. Can I Sit Next to You Girl – 4:12

7. Little Lover – 5:37

8. She's Got Balls – 4:51

9. High Voltage – 4:03

Line Up:

Bon Scott – Voz, gaita

Angus Young – Guitarra líder

Malcolm Young – Guitarra rítmica

Mark Evans – Bajo

Phil Rudd – Batería

Tony Currenti – Batería en canciones 7 y 8

George Young – Bajo en canciones 7 y 8

Sigh - A Tribute to Venom (EP)

2010-04-04T18:01:00.002-05:00

En ocasiones, para entender una idea, es necesario verla en diferentes ángulos o posturas. Aplicando esto en Venom, la cosa queda así: Para entender a Venom, es necesario escuchar sus canciones siendo interpretadas por otros grupos. O en el caso que nos ocupa hoy, por un solo grupo de black metal japonés.

Sigh es una banda pionera en su país. En la época en que éstos se formaron, el Inner Circle en Noruega estaba a medio camino de ser como se le recuerda hoy. ¿Bueno, y esto qué tiene qué ver con Venom y sobre entenderlos? Verán, siempre se dijo que los tres malditos de Newcastle o eran punks muy heavies, o eran heavies muy punks. Sin duda, Sigh, no cae en ninguna de estas dos categorías.

Digo lo de punk porque en cierto tema comprenderemos porqué a Venom se les llamó punketos heavies. Comencemos con una super covereada e indispensable en cualquier tributo a los británicos: Black Metal. Aprovechando su futurista tecnología japonesa, Sigh, ha cambiado ese afilador de espadas (a eso me suena cuando oigo la original) por una especie de alarma, de esas que sonaban en emergencias nucleares y a su vez escuchamos un vuelo supersónico, una tormenta y una campanada. A esto agreguémosle unos indescriptibles versos previos a la canción y el dichoso riff emergiendo sin que nos demos cuenta. Mirai Kawashima, la vocalista, recita los versos de Cronos con una velocidad envidiable. En fin, la velocidad del tema es envidiable, le han dado una brutalidad asombrosa, combinando la naturaleza black metal de Sigh con toques de death metal y claro, lo punkarras que se oyen las guitarras al tratarse de una canción así.

Luego viene Die Hard donde la cosa se baja. Sí, los coritos suenan infantiles y las guitarras tienen un Keeling rockanrollero. No hay mucho que decir de esta versión más que es un tema poco conocido de Venom y el hecho de sacarle cover ya es bastante.

Aquí se viene una de las grandes. Countess Bathory y su imperdible riff. He escuchado tantos covers de este tema que pocas veces me impresiono al oír otra versión más. Sigh es la excepción. Una cosa que le da originalidad e imprime su propio sello es la batería de Junichi Harashima y su uso mas notable de platillos que la original de Abaddon. Es un cover impecablemente… Pues, impecable no porque es una canción de Venom y estos tipos son blackers japoneses así que… Es un cover muy bueno, punto.

Si hablamos de punks, el sonido de Schizo le queda como anillo al dedo. Es la producción del EP lo que permite notar ese sonido a punk, no de antaño, sino moderno, porque Mirai ha modificado su habitual tono y técnica vocal para este EP, ajustándose al sonido de los Venom. Pero cuando digo ajustarse es ajustarse de verdad, señores, no es lo mismo oírlos en su puro rollo de black metal que oírlos haciendo esto.

Tema instrumental: Mayhem with Mercy. La lenta melodía de guitarras acústicas ha sido reemplazada por un piano rápido que dura incluso más que la original. Depende de cada quién pensar si la ‘belleza’ del tema se conserva o no. En lo personal, se engrandece gracias a los teclados secundarios que están al fondo, acercándola más al tipo de música que las bandas japonesas acostumbran hacer.

La favorita –y la más punk- del EP: Teacher’s Pet. Me he pasado calcando y recalcando que estos nipones dejan en evidencia el sonido punk de Venom, y al principio dije que eso se notaba más en un tema en particular, bueno, éste es ese tema. A destacar está el solo originario de las manos de Mantas, que ahora se ha ralentizado y ha obtenido un tono más llamativo, igual que las primeras notas de la canción, que se escuchan con más agudeza. Los famosos cantos del trío que decian Get your tits out fueron sacados y en su lugar solo oímos el festejo de los integrantes, donde resalta la muy femenina voz de Mirai. En la segunda mitad de la canción (luego de los grititos), TODA (perdón por las mayúsculas) la caña punk se descarga.

Volvamos a una onda más black metalera con… Witching Hour y el copy/pasteado solo de guitarra que muchos recordamos de hace más de 20 años (yo ni existía pero es bonito tener nostalgia). Creo que me salté algunos minutos, el inicio es idénticamente más moderno (obviamente) y los primeros riffs son para sentirse orgulloso (digo, si uno fuera Cronos o cualquiera de Venom). Como dije, el black metal vuelve aquí y se hace notar en la voz de Mirai, no siempre, pero sí en la mayor parte de la canción.

Para terminar diré qué, este fue un trabajo correcto, un simple EP como tributo a sus influencias y a los que ayudaron en la creación del metal extremo. Algunos cambios no terminan de satisfacerme, de hecho en la primera escuchada dije que era un mal tributo, pero rápidamente uno le agarra cariño a estos ojos-rasgados black metaleros japoneses. Así que… ¡A mover esos cuellos al ritmo de Sigh y sus covers!

Track List:

1. Black Metal - 3:30

2. Die Hard - 3:02

3. Countess Bathory - 3:37

4. Schizo - 3:17

5. Mayhem With Mercy - 1:27

6. Teacher's Pet - 4:09

7. Witching Hour - 3:29

Line Up:

Dr. Mikannibal - Voz

Mirai Kawashima - Teclados y voces

Shinichi Ishikawa - Guitarra

Satoshi Fujinami - Guitarra y bajo

Junichi Harashima - Batería

Venom - Metal Black

2010-03-31T18:20:00.002-06:00

Cronos y Mantas parecían estar cansados de Venom, pero cuando Cronos tuvo un accidente en el que quedó inhabilitado para tocar y cantar, Mantas discretamente se salió de Venom. Cuando Cronos se enteró pensó en conseguir sangre nueva para la banda y volver a los estudios de grabación. Mantas le dijo que no había problema y con ayuda de dos nuevos chicos, Venom volvió. ¿Y cómo volvió? ¿Cómo se llamaría la nueva aberración creada por este nuevo trío de locos? El nombre elegido estaría basado en su trabajo más célebre, haciendo alguna especie de alusión a “volveremos a nuestras raíces”… Metal Black.

Dijeron “volveremos a nuestras raíces” pero no lo cumplieron. Esto no es el Venom de 1982, es un Venom más moderno, brutal, pesado, malévolo y adaptado a la época con Cronos nuevamente liderando al manicomio de tres personas. Recuerdo que, mientras elaboraba esta reseña, miraba videos de entrevistas a Cronos hablando sobre este disco y vaya que me asombré con lo que vi. Uno oye a Venom y escucha la voz de un tío loco y algo trastornado, pero si uno ve una entrevista a ese mismo tío ve algo ligeramente diferente (énfasis en “ligeramente”): Tenemos a un tal Conrad hablando un inglés británico a la perfección con unos discretos “f*ck”, “sh*it” y “you know” (muy al estilo Ozzy Osbourne) contándote sobre lo que tuvo que hacer para traerse a estos dos nuevos tipos a la banda. Luego lo ves en vivo y notas que forma no le falta, está bien cuidado y más que listo para azotarte con un nuevo álbum.

¿Por qué dije todo eso? Sinceramente no lo sé, supongo que extendí mucho el significado del título (Metal Black). Pero como sea, Metal Black es un disco correcto, y a continuación os enseñaré el porqué. Este “Negro Metal” incluye el primer single de Venom en mucho tiempo: Antechrist, con oír este tema quedas dentro. Las letras, como han de suponer, con el tiempo pierden originalidad pero no fuerza, y si bien son algo paródicas siguen sonando a las letras de Venom. Y no por su contenido sino por el tío este que las vomita: Cronos. Luego de que este último recita el título llega toda la metralla que son el bajo, la guitarra y la batería. Como buena canción de Venom, tardas en encontrarle el riff/ritmo hasta que dices “oh, ahí esta…”, Mike Hickey hasta ahora no parece ser mucho, no suena mejor que Mantas pero tampoco peor. Ah pero espera a que llegue el solo, ahí encuentras la similitud o de plano, ahí encuentras a quién supera a quién. El baterista, Antton, hermano de Cronos (qué familia), muestra un doble pedal que con Abbadon no se notaba tanto, claro que en esta primera canción los platillos suenan más que el dichoso doble pedal, pero ya verán, mis pequeños educandos, en lo que esto se convertirá.

Ese doble pedal se aparece en Burn In Hell, un tema con gran similitud a los temas clásicos de Motörhead. Apenas se oye el primer riff, la similitud disminuye y se hace notar la clásica marca de Venom: las voces, la actitud y sobretodo el ambiente que llena el tema. Sin embargo suena más heavy que… Pues que lo que Venom acostumbra. Las guitarras estan bien y el solo ya deja ver que aquí no esta Mantas, aquí esta Mike.

House of Pain trae otro detalle a destacar en estos ‘nuevos’ Venom: la influencia de subgéneros modernos. Esa distorsión que oímos en el riff es algo que se escuchaba normalmente en grupos de la New Wave Of American Metal, como Lamb of God (escúchese el Laid to Rest). La producción trata de poner de miedo la voz de Cronos desde el fondo del estudio hasta el frente de la batería doble pedaleada, entre esta y la fuerte guitarra de Mike. Son cinco minutos de ‘tortura’ pero es por ahí de la mitad donde la cosa se pone cachonda y aparece el solo, la velocidad sube y volvemos a la mecánica de demoler y atacar (tienen qué oírla para entender).

Nos mantenemos con la influencia de los jóvenes en el siguiente tema: Death & Dying. Es menor, pero sigue presente. Ritmo constante, hacer muchas pausas es de ‘pussys’, un macho cabrío (dícese de un buen miembro de Venom) debe hacer breaks y redobles con sus pedalitos. El bajo se ha combinado con la guitarra y ha creado una cosa que queda perfecta en la canción. Esta unión se deshace para el solo y el ritmo constante desaparece igual en ese periodo pero vuelve a la normalidad (¿podemos decirles “normales” a estos tipos?).

Rege Satanas es, para mí y hasta el momento, el tema más raro del disco. No por la melodía, ya que está muy buena con un riff potente y –valga la redundancia- potenciado por el bajo de Cronos. Lo raro es la letra y el modo en que la cantan, si bien suena a Venom, es decir, vomitando versos, el título –y su pronunciación- son raros para mí. Pero siendo positivo, aquí hay mucha de la caña de antaño, una caña que no se oía en Venom desde hace algún tiempo. El tema cierra con la repetición del título y la producción es tan, pero tan buena, que pareciera que te lo dicen al mero oído. De miedo.

Más y más parecido al Venom clásico aparece con Darkest Realm. Al principio no parece, porque sólo oyes al mismo tío loco cantando rasgadamente con una cortante guitarra, pero es en el estribillo donde te acuerdas de versos como los de Black Metal (canción), ya saben, esa parte después del segundo estribillo que ‘engallinaba’ tu piel. Conforme se mueve esto, oyes un cambio en el bajo, un cambio donde retumba más de lo acostumbrado y de nueva cuenta, la distorsión ‘modernita’ reaparece brevemente y en contadas ocasiones. Hacia el final, se oye como si todo creciera y se saliese de control, para acabar sencillamente con el toque de un platillo. Qué cortada de… inspiración.

Esto ya no es solo caña, esto se vuelve auténtica metralla a partir de Good Day to Die. Hay unos cuantos insultos bien escondidos pero, sobretodo, un ”yeah” que seguiremos oyendo más adelante en el tema y en el tiempo (en el próximo disco, Hell). Aquí hay algo más de melodía con una actitud similar a la del Possessed, es decir, seguir haciéndose los malotes pero un poco cambiados. A mitad de la canción todo se vuelve lento, tanto Mike como Antton se calman, aunque menos Mike por su solo. Terminamos con esa parte y la metralla y el ”yeah” reaparecen, totalmente fuertes y sin desilusionar (luego de esa parte lenta uno quiere más brutalidad).

Bienvenidos a la segunda mitad de Metal Black, ya no sé si estamos en el lado Black o el lado Metal, pero sí sé que Assassin combina tres cosas de manera espectacular: El bajo y la guitarra, el primero engorda a la segunda y convierten el riff en una exquisitez. Lo otro, el balance de brutalidad (gravedad) y melodía. No, no conté mal, porque bajo y guitarra son dos cosas, mas el balance, ya son los tres detalles bien combinados que dije. No menciono a la batería pues no hace algo que no hayamos oído en la mitad anterior. Eso sí, los platillos se oyen de nuevo ayudando al solo de guitarra que es interrumpido/cortado por el título y unos versos de Cronos dichos muy macabramente.

Lucifer Rising es otra de esas en la que dices “oh, ahí esta…” (Refiriéndose al riff). Sin duda no lo agarrarán a la primera, porque tenemos las vomitadoras (dícese de los versos) y el bajo (que son del mismo tío) no colaborando. Es decir, la distorsión en bajo/guitarra/voz (sí, hasta la voz se puso juguetona) es tal, que necesitas quitar uno para oír otro. ¿En qué circunstancia se aplica esto? En el solo lleno de un feeling bastante heavy y donde el bajo se reduce considerablemente pero se sigue escuchando. Esa voz diabólica queda bien, pero quedaría mejor si la canción tuviera una mejor estructura, una en la que se usara más adecuadamente.

El riff de Blessed the Dead que es otro que no se nota a la primera, es bueno. Tan pronto termina la innecesaria introducción del tema, llega el verdadero riff y no hablo de ese pedacito semi thrasher, sino del lento con una batería genial y que sabe como acompañar a la guitarra. Claro que… La dupla no se mantiene mucho en ciertos momentos y, de nuevo (¡) esta la ‘onda’ americana presente. Tal vez se deba a que Mike es un americano, no sé ni resulta relevante, lo relevante es que llenan varias canciones con esa distorsión, aunque no sea por mucho tiempo. El punteo en la parte media esta muy buena y el bajo (creo que es el bajo) distorsionado ayuda a que este punteo sea más notorio. El riff semi thrasher se vuelve a escuchar y nos aceleramos para volver al riff que tanto me gusta en esta canción.

Pero es Hours of Darkness la más rara (o mínimo otra de las más raras en el álbum). ¿Por qué? No es por ese riff distorsionadote y muy rudo que trae sino por el pasaje que le sigue a ese riff, ese tono antiguo, un tono como que a película de arqueólogos aventureros que buscan antigüedades en Egipto, entiéndase, un tono oriental. No aparece a cada rato, porque es opacado por un bajo sumamente resonante y grave que apura lentamente al solo de guitarra. Cronos y Mike hacen un buen trabajo juntos y si agregamos a Antton, la fórmula se ve sabrosa.

Y casi sin descanso se aparece un riff arrastrado (por lo pesado que es). Sleep When I’m Dead es más y más caña como siempre. Y aún así, se siente vacío, de relleno… Vaya, que cualquiera podría decir que todo el disco es un relleno, pero no, éste es el tema relleno que pues, quedaba bien según los músicos (20 años después sí podemos llamarles músicos). Ni el buen solo se salva, mucho menos la redoblante batería que machaca todo a su paso.

Maleficarum es la polla (¿lo dije bien?). En el sentido de que es el tema más largo del álbum, no el mejor. Pareciera una mini pero realmente mini versión de At War with Satan, aunque claro, ni a eso llega. Si querían que tuviera una atmósfera de maldad, no lo lograron, si querían que tuviera una atmósfera moderna, entonces sí lo lograron. Y digo moderna por, de nuevo (y aunque les canse leerlo), la influencia americana de Mike es mucho más presente aquí que en el resto del álbum. Son unos buenos seis minutos de oír agudos distorsionados en la guitarra y de oír un bajo algo cansado pero que no se cansa (sí, eso dije). Está bueno pero no creo que les saliera como quisieron.

Este disco ha demostrado ser algo contrario a lo que el título te haría pensar, en vez de volver a sus raíces es casi como si se alejaran. Incluso dejan -a diferencia del Black Metal- la canción del título para el final en lugar de ponerla desde el principio. Algo ‘chido’ es lo rápido que se recitan los versos al inicio del tema y el uso de esa querida voz diabólica, todo gracias a la magia de la edición. Definitivamente esto no es Black Metal, esto es algo más, algo más fuerte, veloz, tal vez no más malévolo pero sí más brutal. Y si oyen esas demoníacas voces y dicen ‘¿porqué este cuate no piensa que es malévolo?” pues es porque su uso no es nada nuevo. Es abundante en la canción, cada tres versos ponen esa voz y sí, todo va muy acelerado, y claro, la pronunciación del título se oye bien aunque sea de menos de un segundo, pero algo tiene que no termina de convencer y sin embargo digo que es un buen tema (aplausos y premios al que entienda eso último).

En fin, recapitulemos, abran su libro en la página 69… Ah no, no, documento equivocado, disculpen. Metal Black ha demostrado ser el regreso de Cronos, no de Venom. Venom regresará cuando Mantas y Abaddon se reúnan con Cronos y hagan –lo poco (¿)- que saben hacer. Pero mientras eso suceda tenemos esto y tenemos lo que le siguió en dos años: Hell. Ambos son metralla pura. Tal vez no sea lo mejor que han hecho en mucho tiempo… ¿y? Al menos podemos decir que hicieron algo y disfrutar –lo más que podamos- de ello.

Track List:

1. Antechrist – 3:28

2. Burn in Hell – 2:57

3. House of Pain – 5:05

4. Death & Dying – 3:52

5. Regé Satanas – 3:45

6. Darkest Realm – 3:12

7. A Good Day to Die – 3:42

8. Assassin – 4:45

9. Lucifer Rising – 4:23

10. Blessed Dead – 4:43

11. Hours of Darkness – 4:15

12. Sleep When I'm Dead – 3:53

13. Maleficarum – 6:04

14. Metal Black – 3:11

Line Up

Cronos - Bass, Lead Vocals

Mykvs - Guitar

Antton - Drums

Ozzy Osbourne - Tribute

2010-03-19T03:57:00.000-06:00

Hace 23 años, en 1987, cinco años después del deceso de Randy Rhoads, Ozzy Osbourne nos sorprendió (¿) con un álbum en vivo que nunca había visto la luz: Tribute. Independientemente de la complejidad del título (comparable sólo con el de Reunion de Black Sabbath). Es, por mucho, superior al Speak of the Devil (‘Talk of the Devil’ en el Reino Unido). No solo porque aquí sí esta Randy sino que, de nuevo, es un tributo al fallecido guitarrista. El impacto de este álbum es tal que actualmente si uno busca el tema Crazy Train encontrará la versión en vivo con el mismo footage del video original pero con imágenes inéditas de Rhoads.

No son los gritos los que rompen el silencio, sino una entrada casi bíblica con Ozzy aullando ‘Rock n’ roll!!!’ La guitarra/voz no se hace esperar y la noche oficialmente ha comenzado. Algo que se mantiene en todo el disco es la impecable (sí, impecable) voz del Ozzman. Todos hemos visto sus performances en la gira de reunión de Black Sabbath y, a pesar de los muchos años que habían pasado, su voz era prácticamente la misma. En la parte más lentona el público se deja oír y se derrite con la melodía. ¿De qué canción hablo? Pues de I Don’t Know, donde RR se despacha un masturbatorio solo que apenas es el comienzo.

Clásico de clásicos… No, no es un partido de futbol, es Crazy Train, la famosísima Crazy Train en vivo que todos estos años ha sobrepasado a su contraparte de estudio. ¿Y porqué la sobrepasa? Virtuosismos, muchos virtuosismos estan presentes de principio a fin, literalmente. Pero estas técnicas quedan cortas junto al solo principal que te hace pensar en RR y las imágenes que aparecen en el video que como dije, ha reemplazado al de estudio. Todo, hasta el final, es demencial, con una guitarra que grita como si experimentara no uno, sino varios orgasmos mientras es acariciada –por no decir manoseada- por Randy Rhoads.

¿Qué pasa con los otros miembros de la banda? Uno se asombra tanto con el dúo Ozzy/Randy que ignora a Rudy (bajo) y a Tommy (batería). Este último realizó un trabajo excelente en los temas anteriores y Rudy cambia ligeramente la balanza del protagonismo con su gravísimo bajo. La guitarra incansable y cambiante, de riffs pasamos a breves pasajes con teclado y obviamente el solo, más prolongado que los dos ya pasados. Todo esto y más en Believer, que originalmente se encontraba en Diary of a Madman.

Mr. Crowley y sus semimelosos teclados interpretados por Don Airey han aparecido. De todas, esta parece la más parecida a las viejas canciones de Ozzy en Black Sabbath. Aquí la voz llega incluso a opacar a los demás, quienes luchan por hacerse notar. Obviamente triunfan en esto y su victoria esta señalada por el breve solo que hasta parece un intruso aquí, después volvemos a los teclados que ahora se mezclan a la perfección con la guitarra y le permiten al segundo solo ser totalmente admisible en la actuación.

Como buen británico que es, el Ozzman es casi in entendible para sus compañeros “english parlantes” mientras presenta la próxima canción: Flying High Again. Seguramente la mas rockanrollera de todo el set list. Esas pausas que intercambian los versos con los riffs son de ensueño por el sonido que la guitarra llega a obtener. La batería suena menos potente pero no importa porque en puntos clave recupera su fuerza.

Ahora un poco más serios, hemos llegado a Revelation (Mother Earth) con Ozzy pidiendo a la audiencia que se ponga de pie (¿acaso se atreverían a estar sentados, tratándose de Ozzy/Randy?). Las bellas notas, los ‘simples’ riffs que se lanzan, la letra y la entonación con la que se canta es más que memorable. Sin notarlo, pasamos del tranquilo inicio hasta lo que se convierte en el pesado y algo agitado desenlace, muy a los Led Zeppelin o Black Sabbtah (de nuevo). Error, colegas, esto es un arco y la canción vuelve momentáneamente a la atmósfera con la que empezó con unos pequeños saltos de furia que, finalmente, terminan en eso: una ola de poder que solo se hace presente en los últimos minutos.

Sin descanso, Steal Away the Night se aparece y trae consigo la fuerza reprimida en Revelation (Mother Earth), con una excelente labor en el bajo melódico de Rudy y los puentes de Randy en los estribillos. Llena de vida, esta canción se adentra en la noche con sus ocho minutos de duración y da cabida a que nos deleitemos con Randy, Rudy y Tommy haciendo lo suyo en cada instrumento. Más redobles, más basslines, y mas tecnicismos se hacen presentes conforme avanzamos en el tema. Ahora, el momento de Tommy y su alucinante solo de batería. Dándole con todo a los platillos y resonando ese doble pedal que se camuflajea en los toms, en un orden totalmente cambiante (si no, no sería un buen solo de batería). Empezamos a ir en círculos y la cosa parece terminar lentamente, gran broma, porque los pedales vuelven y re azotan haciendo eco en el escenario a la vez que el público alaba a Tommy. La cosa se pone casi tribal en la parte ‘final’ del solo y aparenta querer terminar, sin embargo sin previo aviso lo hace, termina y con él acaba la actuación de Steal Away the Night.

La infame Suicide Solution hace acto de presencia y aún quedan recuerdos del previo solo de batería, que poco a poco se desvanecen con la guitarra de Randy y los cambios durante el increíble estribillo. No mencionaré los problemas que trajo la canción para Ozzy por que eso quedaría mejor si habláramos únicamente del Blizzard of Ozz, lo que aquí tenemos es una obra maestra presentada en vivo con acordes desbordantes de energía y una distorsión asombrosa que llena de adrenalina a los que se atrevan a oírla. Apenas estamos llegando al fin de la primera mitad y el más que asombroso solo de Randy Rhoads ya empieza a hacerse presente. Sí, aquí se encuentra el mejor solo de la noche, con escalas y todo, magníficas melodías que llegan a rayar en lo graciosas. Lo que oímos primero solo fue una probadita, pues por un instante seguimos en la canción hasta que Ozzy da ‘permiso’ a Randy de comenzar. No existen palabras para describir lo que viene a continuación. Lo más que puedo atreverme a decir es que la audiencia que vivió ese momento jamás volvería a vivir algo parecido en todas sus vidas. Si quieren tener una idea aproximada, solo recuerden el tema Eruption de Van Halen, que en mi opinión se queda –muy- corto en comparación a este. Una vez concluido el solo, la canción continúa y terminamos.

Pero no terminamos con el álbum, porque aún faltan los tres covers de Black Sabbath, siendo el primero Iron Man, pero les advierto gente, esta versión dista mucho de la que conocemos y amamos. No sé porqué dura menos de la mitad que la original, pero de seguro algunos derechos de autor tuvieron que ver. No puedo evitar pensar que, sonando tan bien como suena con Randy en las seis cuerdas, cómo hubiera sonado si tuviéramos aquí a Iommi? En fin, tiene lo que ya sabemos que tiene, pero ahora añádanle a Ozzy gritando ‘We love you all!’, algo típico del Ozzman. Cuando llegamos al punto en el que la versión original se aceleraba, rápidamente pasamos al siguiente track en el set list.

Children of the Grave, esta sí se parece a la original pero con los toques que Randy sabe darle. Lo siento por Iommi, pero con Rhoads las dimensiones de este tema (que ya eran bastante grandes) se elevan más allá del cielo. El sonido es particularmente heavy, gracias a la técnica que Rhoads poseía la diferencia entre ambas versiones es bastante obvia. El pasaje a los puentes se alarga y el puente en sí es muchísimo más tenebroso, esa es la maravilla de interpretar un tema en vivo. Los platillitos de Tommy se hacen notar junto con el supuestamente discreto bajo de Rudy y la voz de Ozzy se torna desgarrada, un punto a favor del terror que obtenemos aquí. El solo es enfermizo, casi ni parece solo, esta cargado con bastantes riffs y distorsiones que disimulan las notas incluso cuando se torna agudo. Y sin darnos cuenta, la canción acaba y parece ser que el concierto también, pero aún falta un cover porque dije claramente que había tres.

Ese último cover es Paranoid y pobre de Dio si se atreviese a cantarla (amenaza impuesta por Ozzy). Si de por sí es una de las canciones que suenan más modernas en el álbum del mismo nombre, ahora consigue un sonido absolutamente heavy metal con Randy y los efectos que le proporciona a la canción, otorgándole originalidad y sobretodo un esplendor que pocas veces se llega a ver. El solo original era el intento de un tipo sin dedos de tocar un solo (sin ofender a Iommi), lo que tenemos aquí es un solo digno de los dioses que, aunque breve, es perfecto, igual que el de la versión original. Y cuando acaba, el show acaba. Así es, aquí es donde termina el concierto que acabamos de oir.

Las siguientes dos canciones son de la primera gira del Blizzard of Ozz y cuentan con un bajista y baterista diferentes: Bob Daisley y Lee Kerslake respectivamente. Goodbye to Romance es el primero de los últimos temas, donde alcanzamos a oír a un Ozzy ‘heavymente’ acaramelado, con un Randy al que no se le nota mucho hasta el momento del obscenamente bellísimo solo. Así como llegó, así se fue el solo para que la canción continuará con sus tecladitos melosos (ahora sí, melosos) y llegue a su tranquilo desenlace.

No Bone Movies es la que cierra el disco en vivo, o mejor dicho en concierto, por que el último tema del álbum es en vivo pero no en concierto… Algo curioso sucede con esta canción que parece sonar diferente a la versión de estudio, sin embargo eso solo es momentáneo. Conforme seguimos el tema, notamos la grandeza instrumental que acompaña a la voz de Ozzy, dejando de lado el solo que se apunta rápidamente como uno de los más inspirados de la noche. Y terminando al mejor estilo del rock n roll “tatatatatata…tan!”

Ahora sí, lo verdaderamente último del álbum, para los que ya estan cansados: Dee. Sí señores, Dee, esa cancioncita de menos de un minuto dedicada a su querida madre Delores, ahora se alarga hasta cuatro y medio porque resulta ser una grabación sacada directamente del estudio, presentando a RR ensayando la canción, demostrando que hasta los prodigios tienen problemas a la primera. Se escucha ese bello inicio cientos de veces y aún así no te cansas, incluso se te pone la piel de gallina al oír a Randy decir “ups…”, finalmente consigue tocarla como se debe y se retira diciendo “lets heard that…” (O eso alcancé a oír). Una palabra me llega a la mente para describirlo: hermoso.

Bueno, fue lindo mientras duró, pero ahora me despido sabiendo que hice mi colaboración al 28vo aniversario de la muerte de Randy Rhoads, he hecho esta reseña con las mismas intenciones que tuvo Ozzy cuando editó este álbum. Es un álbum que merece incluso alabanzas pero sobre todo, un minuto de silencio antes de oírlo, para que la muerte de este grandioso guitarrista no haya sido en vano.

Track List

1. I Don't Know - 5:43
2. Crazy Train - 5:21
3. Believer - 5:08
4. Mr. Crowley - 5:46
5. Flying High Again - 4:27
6. Revelation (Mother Earth) - 5:50
7. Steal Away (The Night) [with drum solo] - 8:21
8. Suicide Solution [with guitar solo] - 7:46
9. Iron Man - 2:55
10. Children of the Grave - 5:19
11. Paranoid - 3:04
12. Goodbye to Romance - 5:23
13. No Bone Movies - 4:10
14. Dee [Randy Rhoads studio outtakes] - 4:22

Line Up

Ozzy Osbourne – Voz

Randy Rhoads – Guitarra

Rudy Sarzo - Bajo

Tommy Aldridge – Batería

Bob Daisley – Bajo en Goodbye to Romance y No Bone Movies

Lee Kerslake – Batería en Goodbye to Romance y No Bone Movies

Don Airey - Teclados

Promocionando Demon Toon

2010-03-15T22:13:00.000-06:00

Sí gente, hoy no les traigo reseñas o algo sobre comics, sino la publicidad de mi nuevo blog: Demon Toon, donde subiré parodias de comics, de músicos y mi propia caricatura, Demon Toon. Dirigiéndose a la página encontrarán -de poco en poco- detalles sobre qué o quién es Demon Toon y sobre qué trata la historia.

No tengo más qué decir así que espero que se den una vuelta y le den click a la opción de "SEGUIR". Se los agradeceré mucho.

Accept - I'm a Rebel

2010-03-12T20:26:00.001-06:00

Ya se ha dicho que 1980 fue un año de glorias en el heavy metal, si bien hubo muchas glorias, otros pasaron ese año sin esta o sin pena. Accept hizo esta declaración siguiendo aún bajo el control de otras personas, o al menos es así como Udo llegó a describir este trabajo: ”Pienso que no estábamos inspirados al momento de grabarlo, todavía existían personas que trataban de controlar a la banda…”. Palabra de Udo… -Te alabamos Udo jajajaja.

¿Buscan un himno para expresar lo grandioso de ser un metalhead? I’m a Rebel es un ejemplo perfecto de himno. Al contrario de lo que todos o la mayoría creemos, la canción no es originalmente de Accept, es de AC/DC, así es, una canción que “jamás fue lanzada”, de esas que se perdieron el limbo australiano… Se dice que este cover suena muy similar a la original. Posiblemente gracias a este cover y al hecho de que Bon Scott estaba muy ebrio cuando se grabó la canción (la original, recuerden), tal vez por eso Udo empezó a usar su característica voz con más ganas que en su anterior álbum. Ahora entrando a la canción en sí, diré que la producción se olvidó un poco de la batería porque le da un sonido medio suave pero las guitarras (principalmente la de Hoffmann a la hora del solo) y como ya dije la voz de Udo magnífica en esos primeros pasos hacia lo que se convertiría en el futuro.

Save Us tiene ese gancho más heavy que la anterior, haciendo a un lado ese coro/estribillo femenino que suena entre comercial y falto de creatividad, es un gran tema porque sigue con un Udo ya feliz de usar su característica voz y un gran bajista llamado Peter. El solo muy bueno también, aquí se hace notar que esos malos comentarios surgidos en el momento en que fue concebido se debían simplemente a las pocas ventas (no niego que ese coro sea también una causa).

Sonidito hard rockero con Do It y un solo muy bien estructurado, Hoffmann es único, ¡no lo neguemos porfavor! Aunque parece que la canción continúa luego del solo como si este no hubiera existido, eso genera en mí una rara sensación. Pero la connotación sexual es genial jejeje, mientras en el futuro unos pensarían que ese “do it” era para suicidarse ¡Accept lo usa para el sexo! Una muestra de gran estribillo:

Do it - do it - do it tonight
You are the girl of my life
Do it - do it - do it tonight
You are the girl of my life

Truenos y relámpagos suenan, gran efecto y mientras estos efectos desaparecen llega el tema Thunder and Lightning con partes en la guitarra que pasan de lo simple hasta estructuras dignas de mover la cabeza como se debe. Udo maneja una voz mas aguda que rasposa, eso suena bien y el discreto bajo de Peter también suena bien, la batería empieza a tomar mejor forma.

Un disco abundante en buena voz, nada de temor para usarla, eso es lo que Udo muestra aquí. Un bajo no tan grandioso como en Balls to the Wall pero igual increible. ¿Guitarras? El dueto Wolf/Jörg emana energía pura, al menos en las sesiones de grabación y alguna presentación en vivo, ese dueto tenía al mundo balanceándose en sus cuerdas… (Eso último sonó muy inspirador jejeje).

Ritmo casi disco en I Wanna be No Hero, ¿y qué es eso? ¿Un grito de Udo? Oooh el jovenazo empieza a lucirse. Peter y su bajo alucinante pero al igual que la batería de Stefan parece tener cierto ritmo de la época disco, esto no es algo malo si te gusta esa música (a mí me gusta pero poco), ahora que si no, pues no te pierdes de la octava maravilla del mundo. Pese a no ser un tema ni malo ni flojo, simplemente no aporta suficiente sentido pesado. Hasta suena a pop con cuando repiten el título de la canción a la vez que aplauden jajaja, eso suena raro, no sé.

Los únicos temas que hallo fuera de lugar son los últimos, los anteriores tenían sonido a heavy de verdad, pero estos 2 últimos me huelen a solo baladas de relleno, eso sí, hay que agradecer que las dejaron al final para que así disfrutáramos del resto que sí es heavy jejeje. Siguiendo con esos coros femeninos que se oyeron primero en Save Us los temas (2 temas) se vuelven un poco cansados para el oido. Sin embargo, ambos mantienen una belleza interesante, tal vez no en la voz o en la batería o en las letras pero sí en aquel Wolf y Jörg que se lucen bien, sin dejarse manipular por productores o agentes. Aún así, 2 cosas se notan en estos 2 temas finales: una es que el bajo suena muy bien y otra es que la entonación vocal suena muy parecida hasta el punto de que ambos suenen casi como la misma canción.

¿Qué merecen estos 5 alemanes? ¡Pues estos 5 merecen 5 estrellas! Eh se asustaron ¿verdad? Jaja pues les doy 4, porque como dije tenían varios detalles por pulir y que se pulieron bien en ese Breaker que dio paso a ese Restless and Wild… Este es un trabajo importante en la carrera de Accept, sin la motivación de mejorarse no existiría aquel Ball to the Wall no lo olviden.

Track List

1. I'm a Rebel - 3:57
2. Save Us - 4:33
3. Do It - 4:11
4. Thunder and Lightning - 4:01
5. China Lady - 3:56
6. I Wanna Be No Hero - 4:00
7. The King - 4:10
8. No Time to Lose - 4:35

Line Up

Udo Dirkschneider - Voz
Wolf Hoffmann - Guitarra
Jörg Fischer - Guitarra
Peter Baltes – Bajo
Stefan Kaufmann - Batería

Opuestamente igual: Lex Luthor de Red Son

2010-03-10T17:26:00.003-06:00

En 2003 fuimos testigos de una de la historias tipo 'Elseworlds' más increíbles que DC alguna vez ha publicado. Claro, estoy hablando de Superman: Red Son. Donde el último hijo de Krypton no caía en Kansas, sino en Ucrania, en 1938 y se convertía en el sinónimo del comunismo. Pero hoy no hablaré del protagonista sino de su antagonista: Lex Luthor.
En esta realidad, Lex esta 'felizmente' casado con Lois Lane, y es un afamado científico, inventor de un sin número de aparatos y tecnología con la que la gente jamás hubiera soñado en su época. Aquí es donde se pone interesante: cuando el gobierno de EUA se entera de la existencia de Superman -el "arma" soviética más poderosa- le encargan a Lex la elaboración de un plan para eliminarlo. Aparentemente el destino quiere que Lex siempre termine obsesionado con la destrucción de Superman, porque en Red Son podemos ver cómo con el pasar del tiempo Luthor es responsable de la creación de villanos como Metallo o incluso de Bizarro -quien termina muriendo de una manera en que nadie se esperaría-. Incluso es responsable de que Brainiac haga de las suyas para atormentar a Superman, pues ahora no es Kandor la ciudad que se ve encogida y embotellada sino Stalingrado, convirtiéndose en el único y mayor fracaso en toda la carrera de este soviético kriptoniano. También es Lex quien descifra el lenguaje extraterrestre que estaba grabado en la nave que cayó en el desierto de Nuevo Mexico en 1947, esta nave era nada más y nada menos que una nave de los Green Lantern Corps y el lenguaje era el famoso juramento que los Corps recitaban para activar su arma (el anillo).

Hora de unos cuantos spoilers. La manera en que Lex derrota, o mejor dicho, le abre los ojos a Superman es absolutamente asombrosa, una pequeña frase hace brotar lágrimas de los ojos del hombre de acero, y lo que la frase decía era:

"¿Porqué no pones a todo el MUNDO en una BOTELLA, Superman?"

Haciendo alusión a la tragedia de Stalingrado -la ciudad encogida y embotellada por Brainiac-. Posteriormente a su 'victoria', Lex trae el equilibrio de vuelta al mundo, con su sistema de producción llamado "luthorismo" y gracias a todos sus inventos consigue que la humanidad evolucione hasta convertirse en una de las mejores especies del universo. Los años pasan, Luthor muere -a los 2000 años (!) en paz sabiendo que derrotó a Superman, pero éste último sigue vivo, relatando y describiéndole al lector las hazañas de los descendientes de Luthor, hasta llegar a Jor-L. El intelecto de Jor-L sobrepasa por mucho al de su ancestro y descubre que el Sol se ha convertido en una gigante roja y que destruirá a la Tierra. La única opción que le queda a Jor-L es mandar al PASADO a su pequeño hijo, Kal-L, a una época donde el Sol aún era amarillo, sabiendo que así su hijo obtendrá habilidades superiores a las de un humano normal...

Entonces, esos spoilers estuvieron buenos pero no son el tema de esta entrada. Lo importante es que Lex Luthor queda ahora como un gran héroe, el hombre que venció a Superman y restableció el orden y la libertad suprimida por el comunismo. Durante la historia se cuestiona sobre si a Lex le interesan las personas o simplemente quiere derrotar al hombre de acero. La respuesta es más que obvia.

Kiss - Alive!

2010-03-08T17:19:00.001-06:00

You wanted the best and you got it… The hottest band in the world… Kiss!

Un pequeño riff abre la noche mientras los gritos de los fans llenan el aire. Deuce ha aparecido para ser la primera canción de este legendario álbum en vivo…

Se ha hablado por mucho tiempo de que este disco esta muy retocado en estudio y cosas así. El mismo Gene ha dicho que fue MUY poco modificado durante el proceso de edición, pero Gene también ha dicho haber sido el creador de la mano cornuda… Sin embargo, un punto a favor de los que creen que es genuino, es la época en la que fue grabado. Los conciertos de los 70s mostraban mucho ruido innecesario y gracias a la edición se podía ir borrando lo que no eran los propios instrumentos, suena muy adelantado a la época para algunos, pero es verdad. En fin, no vengo a hablar de si es realmente en vivo o no, vengo a hablar del Alive!.

Bueno, después de ese pequeño riff, aparece –como ya dije- Deuce y su letra de significado muy poco definido. Peter esta en su mejor momento, Gene parece ser un verdadero maestro de maestros en el bajo, Paul mantiene su labor al lado del genio Ace quien ataca al escenario con sus notas. Ya todos conocen los solos de esta canción, pero aquí, en este directo, el solo final acompañado del grito de Gene se convierte en un solo orgásmico estuvieras ahí o no. Tal vez por eso fue que este disco es tan importante.

Seguimos metidos en el álbum debut (Kiss), y con esto me refiero a la llegada de Strutter. Ese ritmo tan único que Peter usó al comienzo y esos riffs simples pero muy, muy directos junto a la voz de Paul que te provoca re-vivir esos tiempos tan sencillos y a la vez llenos de música tan espectacular.

Ahora el primer tema de la noche sacado de Hotter Than Hell, Go to Choose con sus riffs y su ritmo y su canto (liderado por Paul) en coros con Gene. El protagonismo de Ace dentro no se hace notar tanto hasta su hora especial: el solo. Y según se sabe, Ace solía quedarse cerca de la batería en los conciertos hasta que el solo en la canción llegara (sin importar qué canción fuera). Ah y claro el inolvidable ”uuu-uuu go to choose”, igual de inolvidable que de hipnotizante.

Hotter Than Hell es interpretada con el mismo aire que proyecta en estudio. El riff es lineal, sin acomodar nada, simplemente como salga y la batería le sigue el paso con redobles. El primer “solo”, sin ser corto de inspiración, es breve y se combina de nuevo con el riff, qué decir del 2do solo, todo lo contrario al primero. Paul se ha estado luciendo hasta ahora, manteniendo su voz a la altura de la noche.

Un riff medio atontado y bien cargado es el de Firehouse. En vivo mantiene los ritmos y los riffs suenan todavía mas cargados mientras la guitarra de Ace adorna cada riff según corresponde hasta su solo donde debe hacer lo que mejor sabe. La forma como interpreta ese solo hace pensar que tal vez lo hizo de rodillas, de pronto, una sirena empieza a sonar y parece sonar infinitamente hasta que la canción termina.

Otra favorita del álbum debut, Nothin’ to Lose cantada en dueto por Peter y Gene. Gene cambia los tonos de su voz pasando del tono clásico a lo agudo y Peter le complementa los versos con sus propias expresiones e igual recitando el título del tema con su felina y desgarrada voz, finalizando la canción con un especial “yeah!”.

Las explosiones que provocan las guitarras casi se sienten en la nuca al oir C’mon and Love me y sus ya mencionadas guitarras con esos riffs tan fuertes, mismos que le bajan a la intensidad mientras llegan al estribillo pero se recuperan cuando este es pronunciado. Ace se la pasa adornando todo con sus melodías y Peter, en esta canción no hace tanto uso de su dinamismo como en los siguientes temas, ¿estará guardando lo mejor para después?

Parasite esta muy bien potenciada con la combinación bajo/guitarra en su tan, tan pesado riff. Cantada por Gene haciendo muy buenos pasajes vocales en el estribillo que hace desaparecer al riff y hace a Ace quedarse falto de inspiración por reducir su labor. Un pequeño silencio dejando solo a Peter y reanudando la amada labor de Ace a quien le hacía falta liberarse de una manera que solo esta canción le puede dar.

Qué juguetona suena She cuando se oye también al público gritando (sarcasmo). Gene y su forma para pronunciar versos a la par de la guitarra de Ace. Es interesante pensar en qué pose llevaba Gene en esos tiempos cuando interpretaba temas tan fuera de su “personaje” (Demon). Me encanta cuando llega el protagonismo del bajo en la canción, hace pequeño a todos menos a Ace y a su solo. Después de unos versitos, la cosa se aloca y los riffs pierden curso (aparentemente) y se convierten en solos y fuertes descargas sónicas hasta el golpe final de Peter para dar por terminada la canción.

Watchin’ You le otorga un papel no tan secundario al bajo mientras se ejecuta el riff de entrada. Y claro que debe tener más protagonismo si el que la canta es Demon, y la canta con su característica rudeza. Las explosivas guitarras mantienen la melodía a la vez que Peter azota sus platillos y le da más motivaciones a Gene.

El momento de Peter ha llegado, pero no hablaré sobre eso, no aún. 100, 000 Years. Primero Gene hace lo que haría en canciones como God of Thunder (intro de bajo) y mientras la intro continúa las guitarras atacan, pero el bajo sigue metiéndose a tus oídos. Paul lidera este temazo que se alarga en el Alive debido a los solos más épicos y, más que nada, al momento de Peter: su solo de batería. Dicho solo de batería no llega hasta que la fiera de 6 cuerdas de Ace se calma. Comienza con el desprendimiento de la batería de los demás instrumentos, usando bastante los toms y los platillos sonando como viento pasando por oídos desprotegidos. Los cambios y redobles que lo hicieron famoso estan aquí y sus “periodos de suspenso” también aumentando la emoción de todos cerca. Y el resto del este trabajo no lo puedo describir con palabras, pero imagínense que tan bueno es como para que el tema se alargue hasta 12 minutos, Paul comienza a dirigirle al público, las clásicas ”do you believe in rock n roll?”…

Una bella composición se muestra, es Black Diamond. Paul la vocaliza en la intro (con esas hermosísimas melodías de guitarra) y después Peter la continúa hasta el final. Los platillos hacen comenzar el tema y un muy inspirado y sentido Peter contagia a todos con su voz pronunciando ”uuu-uuh black diamond”. Claro, cambiando su voz pasando de lo bello hasta sus desgarrados tonos pero siempre conservando lo importante de la canción, el espíritu que él sabe invocar. Casi todo queda en 2do plano, hasta Ace o Gene mientras Peter hace su labor, ni el solo se salva de esta situación y la voz gatuna da fin a la canción lo más románticamente posible.

Los aplausos son los que abren Rock Bottom, y la voz de Paul junto a su guitarra (y junto a Ace) solo continúan lo que la audiencia hizo. Terminada esa parte, comienza y ahora la voz de Starchild sobrepasa a sus colegas excepto cuando Gene le acompaña en el título. El solo esta bien “electrificado” y lleno de sensuales movimientos muy a lo Deuce pero con sonido particular.

Cold Gin abre nuestros orificios auditivos con fuertes platillazos y un riff característico con el sello Kiss por doquier. Demon hace lo suyo en la voz a pesar de que las guitarras cortantemente pesadas y muy hard rockeras parezcan querer interrumpirlo. Siguiendo los dinamismo de Catman en el set de tamborcitos la canción se mantiene imparable y amenazante con esa tonada que tanto me fascina. El sonido de la canción se acerca a la brutalidad neoyorkina cuando Peter golpea los platillos, siguiendo a las ondulantes guitarras.

Rock And Roll All Nite… Quizás la canción más famosa de Kiss y quizás esta sea su presentación en vivo más famosa… Todo se oye tan perfecto, el bajo se mantiene al margen de las guitarras, las guitarras se oyen tan hard rock, la batería tiene más cambios que en el álbum… Si bien la letra no es para romperse el coco, una vez que quedas atrapado bajo el manto que Kiss te teje en su concierto te vale un cacahuate frito la letra. Si todo esto parece muy bueno, lo mejor es el trabajo del Spaceman con un solo que va ganando velocidad poco a poco y alcanza la agudeza suprema, mientras te imaginas el humo que sale de su guitarra.

El tema más rockanrollero es este, Let Me Go, Rock ‘N Roll. Y sin importar lo rockanrollero que suene, con sus melodías y su dueto Gene/Paul, lo importante a destacar es que posiblemente dentro de esta presentación se encuentre el solo más impresionante del disco. Empezando casi después del estribillo se alarga tanto que crees que no acabará gracias al trabajo en la guitarra rítmica de Paul. Terminando este trabajo con unas buenas noches que pasaron a la historia del hard rock.

Como detalle me gustaría dejar las fechas y lugares donde grabaron el Alive!:

5/25/75 - Cobo Hall - Detroit, MI
6/21/75 - Music Hall - Cleveland, OH
7/23/75 - Wildwood Convention Center - Wildwood, NJ

¿Hay qué explicar si fue retocado o no? Bueno, pues el mismo Gene Simmons dijo que fue tan retocado que sólo la batería de Peter Criss sonaba en vivo. Interpreten eso como mejor les parezca...

Track List

01. Deuce – 3:32
02. Strutter – 3:12
03. Got To Choose – 3:35
04. Hotter Than Hell – 3:11
05. Firehouse – 3:42
06. Nothin' To Lose – 3:23
07. C'mon and Love Me – 2:52
08. Parasite – 3:21
09. She – 6:42
10. Watchin' You – 3:51
11. 100,000 Years – 12:10
12. Black Diamond – 5:50
13. Rock Bottom – 4:59
14. Cold Gin – 5:43
15. Rock and Roll All Nite – 4:23
16. Let Me Go, Rock 'N Roll – 5:45

Line Up

Paul Stanley - Voz, guitarra rítmica
Gene Simmons - Voz, bajo
Ace Frehley - Guitarra líder
Peter Criss - Voz, batería

Bathory - Blood on Ice

2010-03-07T14:39:00.001-06:00

Escrito y grabado desde 1989, Blood on Ice no fue publicado hasta 1996 porque Quorthon estaba preocupado por el cambio tan drástico de sonido (aunque este cambio se había notado desde Blood Fire Death), de su temprano black metal hacia un viking metal bien establecido. Pasaron 7 años y la tecnología de grabación mejoró permitiéndole a Quorthon remasterizar el álbum con un sonido mas limpio pero sin perder su fuerza demoledora.

Blood on Ice es un álbum conceptual. La historia se centra en un personaje anónimo, desde el momento de su niñez (a los 10 años) hasta su adultez (a los 20 años). La Intro presenta el sonido de las pezuñas de los caballos que los feroces guerreros cabalgaban, mientras blandían banderas con la imagen de la bestia de 2 cabezas. La canción que da nombre al disco, Blood on Ice relata la batalla, la masacre, el horror que el pequeño de 10 años presenció. Se adorna con coros similares a teclados y distorsionadas guitarras con una voz penetrante detrás, contando todo lo sucedido mientras el niño se esconde en un árbol, siendo el único sobreviviente. Quorthon mantiene su voz en un tono semidiscreto para que la batería de ritmo peculiar continúe su marcha sin interrupciones. El solo sencillo es un detalle interesante, pues es corto y está bien escondido detrás de esos cánticos, esa batería y esa distorsión.

Man of Iron presenta acústica en lugar de eléctrica. Presenta también a un Quorthon mas sentido y presenta la siguiente parte del relato. Han pasado 15 años desde que el niño de 10 años quedó solo en su pueblo, ahora ha crecido, se ha vuelto un fuerte hombre conocedor de los caminos del bosque y muchas cosas mas que lo convierte en un “hombre de hierro”. La ausencia de percusión resulta atractiva pues otorga más protagonismo a la dolida melodía acústica que se escucha.

One Eyed Old Man (de mis favoritas) trae de vuelta la “caña” que todos aman. Guitarras con potencia única y fuertemente distorsionadas es lo que hay aquí, junto con una magnífica interpretación vocal contando el momento en que el hombre de hierro conoce a un viejo hombre de un solo ojo (probablemente Odín, el dios tuerto). Solos de guitarra se mezclan entre los versos y los riffs, dando paso a coros y al interludio narrado por una vieja y cansada voz. Mientras el interludio es contado se revela que este hombre es uno de los elegidos como campeón de los dioses. ¿Elegido por quién? Por Odín. Elegido desde hace 1000 años. En ese momento le dice que deberá encontrar ciertos objetos especiales, en una búsqueda que le dará significado a su vida. Luego de esto Quorthon ataca con un “yeaaaaaah! desgarrador y asombroso para acabar la canción.

The Sword se presenta con un riff más pesado y lento se abre paso con batería demoledora contando la hazaña de la búsqueda del primer objeto. Una espada, una poderosa espada (posiblemente Tyrfing, una espada mágica de la mitología nórdica). Las voces (en líder y en coros) se mantienen al tope dependiendo de su turno, se escuchan voces graves al fondo que cuentan la verdadera historia desde un punto de vista más serio, los riffs se reducen y se aumentan durante el puente mientras el clímax aparece.

The Stallion es el segundo objeto, aquí la historia hace referencias al corcel de 8 patas de Odín, Sleipnir. El riff se parece un poco al de The Sword pero tiene una porción de melodía que marca una gran diferencia. También se diferencia en la inclusión de adornos acústicos mientras aquel valiente hombre esta en busca del caballo con 4 pares de patas.

The Woodwoman es una bruja del bosque, con quien el protagonista debe encontrarse mientras es guiado por unos cuervos. Acústica y eléctrica combinadas con coros y la leyenda detrás. La bruja toma el corazón del guerrero para llenarlo de fortalezas ya que al quitárselo podrá soportar cualquier herida.

The Lake, el siguiente paso en la travesía. Ahora hemos llegado al lago sin fondo, se escucha una pequeña llovizna y una acústica nos despista para cuando llega la distorsión. Recordando lo que el viejo de un solo ojo le dijo, el protagonista debe dar uno de sus ojos (el izquierdo) para obtener un poco de la sabiduría y poder que ese lago brinda a todo el que beba de sus aguas, también, al perder un ojo, se dice que no tendrá que ver hacia abajo cuando se enfrente contra la bestia en su batalla final. La voz de Quorthon es acompañada con coros masculinos, parecieran los guerreros caídos deseándole suerte a este aparente “novato”.

Gods of Thunder, of Wind and of Rain trae referencias a las hijas de Odín, las valkirias. La canción narra cómo los cuervos Hugin y Munin (los cuervos de Odín) y los dioses guían al anónimo protagonista hasta la batalla con la Bestia, la bestia que mandó a esos salvajes a destruir su villa. Mas pesada, mas veloz, mas fuerte en voz y con atractivo doble bombo (soy yo o me fijo mucho en eso) que mantiene el oído pegado al tema, de la misma manera en que esa guitarra atrapa a cualquiera mientras se recita la ayuda que los dioses del trueno, del viendo y de la lluvia aportan.

The Ravens es un pequeño interludio dentro del disco, aparentemente contado desde los ojos (ojo) de Odín, dándole la orden a sus cuervos (Hugin y Munin) de volar y guiar al protagonista. La instrumentación es una guitarra acústica aguda muy bella y la voz de Quorthon, un hombre que no necesita a nada o nadie más para grabar este “puente”.

The Revenge of Blood on Ice cuenta la batalla final, el guerrero confrontará y vencerá a la Bestia, una vez vencida -con la ayuda de los previamente mencionados dioses- en el Hel (Infierno según la mitología nórdica), los guerreros caídos y capturados ahí injustamente cabalgarán con su salvador hacia el Valhalla. Esta es la canción más larga y si bien no es la más pesada tiene la potencia de guitarras llorando a lo lejos, como sinónimo de los vitoreos que los cautivos le darían a su salvador mientras pelea con el captor. El protagonista le presume a la Bestia la ayuda divina que recibe mientras esta agoniza a sus pies, con la espada apuntando a su garganta. Las fuertes guitarras expresan cada golpe dado por Tyrfing (la espada) y la batería representa el galope de Sleipnir (el corcel de 8 patas). El bajo tiene su momento de fama representando los lamentos de la derrotada abominación y el retorno de las guitarras expresa el triunfo del bien contra el mal.

¿Es idea mía o sé una que otra cosa de mitología nórdica? Bueno lo cierto es que este es un gran trabajo y la belleza de la historia solo es apreciable para los que tengan espacio para el asombro por las batallas y lo épico de ser un guerrero en busca de justicia.

Track List

01. Intro – 1:45
02. Blood on Ice (Incluye Intro) – 5:41
03. Man of Iron – 2:48
04. One Eyed Old Man – 4:21
05. The Sword – 4:08
06. The Stallion – 5:13
07. The Woodwoman – 6:18
08. The Lake – 6:42
09. Gods of Thunder, of Wind and of Rain – 5:42
10. The Ravens – 1:09
11. The Revenge of the Blood on Ice – 9:53

Line Up

Quorthon - Guitarra, voz
Kothaar - Bajo
Vvornth - Batería

Venom - At War With Satan

2010-01-20T11:45:00.001-06:00

Pandemonium burns in the night…

Ambición y superación es lo que encuentro en este álbum. Ambición por haber hecho una canción de casi 20 minutos y superación por el mismo hecho de haberla grabado. Para muchos el último trabajo que mostraba a Venom como una banda con la suficiente altura para codearse con otros grandes como Motörhead, Iron Maiden o Judas Priest. Eso puede sonar como “idolatrarlos” demasiado pero en su tiempo, Venom realmente pudo codearse con esos grandes, en fin, comenzaré.

Describir el primer tema es describir medio disco. Un ataque de riffs thrash/black, baterías que van de lo más veloz hasta ritmos militares, voz llena de gritos, alaridos, gruñidos, etc. Letra que mantiene tu cabeza en tu lugar a pesar de que sientas que te la arrancan, cambios de atmósfera únicos en su momento. Pasando de lo más metalero hasta incluir voces diabólicas y presentando a Mantas como un guitar hero a su propia manera. Es aquí donde Mantas muestra más técnica en su guitarra, dando puentes, pasajes, riffs, solos, todo, con bastante talento. El riff aparentemente “melódico” en algunas partes de la canción es de lo mejor pues te invita a unirte a esa gran fiesta infernal que se hace llamar At war with Satan. Ahora me adentraré un poco más hacia algunos elementos más específicos.

El riff va desde lo épico, hasta lo más simple regresando a lo épico disfrazado de sencillez blacker, siguiendo a la batería, distorsionandose, usando melodía acompañada por un bajo distorsionado, perdiendose a veces entre los gritos de Cronos pero siempre manteniendo eso que hace que lo sigas oyendo. Incluso tiene brevísimas partes acústicas que aportan más sentimiento a la canción hasta que Abaddon ataca de nuevo con su batería a toda marcha. Esos fuertes platillos hacen que la guitarra tiemble mientras es ejecutada, mientras ese Cronos canta, mientras todo esto pasa nos encontramos en una supuesta guerra con Satanás… Sé que hay muchos que en algún momento han pensado que Venom solo es un trío de jóvenes alborotados (cuando eran jóvenes), pero si se presta atención al sonido de este álbum se nota que como dije, han madurado, tanto en técnica como en calidad compositiva. Y también como dije, hablar de esta canción es hablar de medio álbum.

¿Qué pasa con los demás temas? Rip Ride tiene gritos agudos iniciales y una especie de “mini-solo” de guitarra por Mantas que demuestra ese crecimiento musical. Con esa manera de cantar que Cronos tenía, le creería casi todo lo que me cantara, hasta esto: Run like Hell, in Hell jaja, es que me parece increíble (o tal vez solo sea mi alucinación juvenil de haber vivido solo 15 años en este mundo) que luego de esa casi ópera de violencia tengan fuerzas para continuar con guitarras distorsionadas y de vez en cuando melódicas y batería veloz, fuerte, furiosa, con todo eso, sigan dándole a mí, alguien que gusta de su música, más motivos para admirarlos. Unos pensarán que son repetitivos pero no, no lo son para nada. Cada composición tiene una identidad propia y tiene ese elemento que por ese tiempo era más violento y oscuro que lo que ya existía. Al decir esto me refiero a temas tan tétricos como Stand Up (and be Counted), o la increíble Genocide que tiene mucha energía thrash metal, con unos cambios de tempo pero siempre con esa guitarra que suena al futuro, o mejor dicho al ya recién nacido thrash metal. Y hasta la Cry Wolf con raros susurros y con Mantas en segundo plano haciendo una buena melodía, te engaña y luego te ataca con ese poder y un bajo muy bien interpretado por Cronos y como siempre la batería de Abaddon no deja de hacer lo suyo. Women, Leather and Hell se oyó primero en el tema Black Metal, ¿lo recuerdan? Ahora resulta que lo hicieron canción añadiéndole el “toque femenino” pero sin perder su fuerza y salvajismo. Una letra que trata de… pues de mujeres, cuero e infierno, así es, combina esas 3 temáticas en una sola canción y otorga un gran climax con el solo de Mantas que de verdad, de verdad merece ser oido y si se desea, admirado. Aunque Aaaaargghh si bien no tiene una letra muy creativa, parece ser más una pieza de mezclas de los momentos más salvajes y alocados de la banda en el estudio de grabación, algunos lo verán como algo tonto, yo lo veo como algo para lo que se necesitan “huevos”, como decimos aquí en México.

Me la he pasado “defendiendo” a este trío, es cierto, pero luego de tantos años y tantas veces que se les ha dicho ser solo 3 tipos sin nada mejor que hacer, debo decir que este trabajo fue muy bien hecho. Hasta la producción mejoró dándole mas protagonismo al bajo permitiendo que se distinga de la guitarra y dándole a la batería ese rasposo sonido pesado (a falta de una mejor manera de describirlo).
También me la pasé admirando la técnica de Mantas… ¡Porque igual que el resto lo merece! Solos así son especiales aunque parezcan ya tocados por alguien más. ¿Cómo califico a este disco? ¿Mejor que Black Metal o Welcome to Hell? Puede ser… Si se buscan temas pesados y salvajes, dementes y destructivos aquí, con esta banda los encontrarán…

Por último dejo los enlaces del tema del título incluyendo el “preview” que apareció en Black Metal:

At War with Satan part 1

At War with Satan part 2

You are damned... Damned in Hell!

Track List

1. At War with Satan – 19:57
2. Rip Ride – 3:09
3. Genocide – 2:59
4. Cry Wolf – 4:19
5. Stand Up (And Be Counted) – 3:32
6. Women, Leather and Hell – 3:21
7. Aaaaargghh – 2:25

Line Up

Cronos - Voz/Bajo
Mantas - Guitarra
Abaddon - Batería

Bathory - Under the Sign of the Black Mark

2010-01-18T14:21:00.003-06:00

He aquí a uno de las bandas que dieron vida al oscuro género llamado black metal, y ya teniendo 2 discos por detrás, uno mejor que otro, continuaron su camino. Más bien Quorthon continuó el camino porque para los que no sepan, él hizo casi todo en los posteriores álbumes… Mi trabajo aquí no será simplemente hablar de cada canción o su significado, mi trabajo aquí será evaluar el sonido que mantuvieron estando bajo la señal de la marca negra.

A partir de este disco, Bathory empezaba a mostrar en qué se convertirían en el siguiente, mostraban las primeras señales del viking metal en temas como Call from the Grave con fuertes liberaciones de furia, no solo en esta canción, sino más aún en Equimanthorn con la gran “técnica” vocal de Quorthon tiene sus veloces tambores/bombo a una velocidad diabólica con cambios de tiempo. Conservando solos e incursiones de sintetizadores para darle a estos 2 temas mencionados el aire a viking metal.

Esta banda no tenía su fama de ser una de las más misteriosas solo porque sí, hay que recordar que casi no se presentaban en vivo y a pesar de los créditos que aparecían en cada disco, es muy posible que Quorthon no haya necesitado muchas ayudas. La masacre comienza apenas acaba la intro Nocternal Obeisance, Massacre y Woman of Dark Desires. Por supuesto, todo con esas letras dignas del black metal como en Massacre donde se recita la muerte de 200 hombres demasiado jóvenes a una velocidad únicamente concedida por el mismo Macho Cabrío. Woman of Dark Desires se refiere a la dama que “bautizó” a la banda: Elizabeth Bathory. Ejemplo de esto:

Woman of Dark Desires
Woman of Eternal Beauty
Woman of Dark Desires
Elizabeth Bathory…

Si bien tiene un tiempo más lento, también tiene un riff muy bien sacado del thrash metal, haciendo más atractiva esta pieza para quienes no sean solamente blackers.

De vuelta a esos sintetizadores hermosos pero breves, Bathory deja caer todo su poder de nuevo en Chariots of Fire que tan pronto como empezó, termina. Eso sí, nos da más de ese black metal bien definido que buscamos, y como se dijo antes, un black metal que empieza a tomar forma de quereros escandinavos… Luego de un breve susurro todo regresa a ser como en el resto del álbum en 13 Candles. Quorthon era único para las letras del black metal, ejemplo:

Born a child of the underworld
The fire and flame
Born a child of the underworld
Desire and pain
Born a child of the underworld
Evil prevail
Born a child of the underworld…

Alaridos que se extienden hasta los riffs, batería dinámica y contundente, y de nuevo, esos riffs que incrementan su sonido y bajan otra vez. Y como continuación a la canción, Of Doom tiene su título donde 13 Candles se quedó. Atronador, así es como se describe un tema así. Veloz para pronunciar las letras, para golpear a la batería, para cumplir con esos riffs demoniacos, el tema final (la outro no cuenta).

El olor a obra maestra del black metal se siente muy fuerte al escuchar este disco. ¡Porque de hecho lo es! Una completa obra de Bathory/Quorthon que solo es apreciado por unos pocos, aquellos que no temen retar a los que se encuentran bajo la señal de la marca negra…

¡Ups! Al final sí me puse a hablar de cada canción jejeje.

Bueno hay que recordar algo: Todos estamos bajo la señal de esa marca negra

Track List

1. Nocternal Obeisance (Intro) – 1:28
2. Massacre – 2:38
3. Woman of Dark Desires – 4:06
4. Call from the Grave – 4:35
5. Equimanthorn – 3:41
6. Enter the Eternal Fire – 6:57
7. Chariots of Fire – 2:46
8. 13 Candles – 5:17
9. Of Doom - 3:44
10. (Outro) – 0:25

Line Up

Quorthon – Voz, guitarra, bajo, sintetizador
Paul Pålle Lundburg – Batería
Christer Sandström – Bajo adicional

Publicación personal: Mi despertar en el Metal

2010-01-15T12:33:00.005-06:00

El día de hoy haré una pausa de las reseñas para contar cómo fue que me adentré a este mundo que llamamos metal.
Por más increible que suene, crecí en condiciones similares a las de grupos como Black Sabbath o Judas Priest... Y se preguntarán: ¿Porqué o cómo? Muy simple, -esta es la parte risible-, aquí donde vivo, en la república mexicana -al sureste para ser preciso- estamos llenos de talleres mecánicos de todo tipo. Hay 2 atrás de mi casa, uno a la vuelta de la esquina y uno al lado. Este último no era precisamente mecánico, sino de soldaduras. Así es, crecí escuchando a las máquinas golpear y cortar el "metal pesado" desde los 9 u 8 añitos.

Obviamente al principio detestaba la situación de tener que soportar el ruido e incluso el -en principio- penetrante olor a metal soldado (muy humeante). Pero claro, sin darme cuenta, eso se quedó en mi mente de poco en poco, lo único que hizo falta para el "despertar" fue el gatillo.
Dicho gatillo había estado presente en mí desde mucho antes. Mi madre escuchaba discos de Maná cuando yo era bebé. Si bien Maná no es un grupo muy pesado, los ritmos y melodías se quedaron en mí hasta hoy en día. Y también estuve rodeado del pop de los 80's, Michael Jackson, por ejemplo -de hecho, tengo un LP del Thriller que mi madre compró por ahí del '82-.
Pero esos no fueron los gatillos adecuados, no tuvieron suficiente fuerza, no. Cuando cumplí 12 años y estaba en la etapa de los videojuegos, me prestaron uno llamado Scarface -basado en la película del mismo nombre que por cierto es una de mis favoritas, incluso antes de conocer el juego-. Era una especie de Grand Theft Auto, pero con la historia de Scarface. Un detalle que tenían muy en común era la radio del automovil que manejaras. Ahí encontré una cancioncita llamada "Breaking the Law", cantada por un tal -sí, pense que era una sola persona- Judas Priest. Era perfecta para cada vez que huía de la policía jeje. Ese fue el disparo que me hizo despertar en el metal. Posteriormente -un año después-, en los Rock Honors de VH1, conocí a otro grupo que al igual que los metal gods, aún no dejo de oir: Kiss. Mientras tocaban Detroit Rock City supe que ya estaba dentro de otro mundo...
Esa fue mi historia, contada con detalle, de cómo me he convertido en el metalhead, no, no solo eso, sino en la persona que soy ahora. Otro día hablaré sobre cómo ha influido en mí... o sobre cómo comencé en los comics, pero por el momento es todo.
Los invito a que compartan su historia en sus comentarios.
¡Saludos!

Slayer - Divine Intervention

2010-01-13T18:47:00.006-06:00

Y Dave Lombardo salió de Slayer…

El poder y la gloria de la trilogia Reign in Blood-South of Heaven-Seasons in the Abyss parecían un poco lejanos en 1994. Lombardo ya no estaba con ellos, Bostaph era el reemplazo. La grabación y producción parecen muy concentradas en la batería, mas específicamente en el doble pedal. Retumba a más no poder y los riffs casi no se distinguen. Estoy siendo muy quejoso, la verdad es que aunque los gruñidos de las guitarras no se oyen tan definidos como antes aun tienen la fuerza y violencia que atrajeron a tantos metalheads hace 2 años (Decade of Aggression). La controversia que caracterizaba las letras de Slayer no desaparece, la voz de Araya estaba al tope de la brutalidad que sabía/podía ofrecer. Siendo mas directo diré que la grabación “desorganizó” a los instrumentos pero no les bajó la fuerza. Los solos son menores en cantidad y en técnica pero al menos tiene solos (jaja eso es broma eh). Estoy dándole muchas vueltas al asunto, pero como dijo Jack el Destripador, vamos por partes:

Killing Fields:
Pensando en los “ratos de alegría” vividos por los judíos en los campos de concentración nazi, Killing Fields surgió de la mente de Tom Araya. Se convierte en una masacre desde el principio con el doble pedal y esos platillazos secundados por la dupla de asesinos seriales King/Hanneman. Increiblemente el protagonismo de esa dupla no es tanto como el de Bostaph, ¿creen que los fans de esa época estuvieran felices en que el reemplazo de Lombardo se luciera mas que… Lombardo? Pero King hizo un buen trabajo en el solo, al final (¿Por qué al final?).

Sex. Murder. Art.:
Este parece haber sido grabado para el South of Heaven. Tiene melodía en una de las guitarras y la voz de Araya suena como en Seasons in the Abyss, aquí hay gato encerrado. Termina tan pronto como empieza, aunque no empieza tan veloz como termina. Las guitarras se aceleran repentinamente y el doble pedal no se nota tanto como en el tema anterior, para el final vuelve a la velocidad del principio mientras las guitarras pasan a un segundo plano.

Fictional Reality:
El título me hace pensar en la película Matrix…. Pero el sonido de la canción, en la voz de Araya me transporta a su disco de 1989. Los riffs de las guitarras nuevamente no están tan bien definidos como Slayer acostumbra, pero no dejan de sonar a Slayer obviamente. El momento de los solos es más calmado, bastante más calmado, similar a la canción Seasons in the Abyss y luego gana fuerza como Angel of Death. Sé que las comparaciones no siempre son de buen gusto, ni siquiera entre los discos de un mismo grupo pero no encuentro otra forma de analizar estas canciones sin tomar en cuenta lo que hicieron antes, o lo que harían después…

Dittohead:
Se la dedicaron a Rush Limbaugh, un político algo controversial según dicen. Me parece una de los temas con mas caña dentro del álbum, tiene la velocidad que tenían en Reign in Blood e incluso el sonido (sí, el doble pedal casi se hace a un lado). Las guitarras vuelven a sonar como la motosierra de Leatherface y el solo va por su propio rumbo. Pero el segundo solo es el que revienta cabezas, haciendo rodar los pedacitos por toda la habitación.

Divine Intervention:
¿Recuerdan cuando dije que una canción se parecía al tema Seasons in the Abyss? Bueno pues esta sería la segunda más parecida. Dándole el nombre al disco, cuenta con una guitarra medio acelerada por detrás y una más calmada por delante. Estas cambian su papel por el de melódicas en poco tiempo mientras van formando la atmósfera correcta en tu cerebrito. Araya desgarra el techo del estudio con su voz y (de nuevo) el doble pedal aparece dando respaldo a las guitarras que ya se pusieron furiosas por ser tocadas tan despacio. Las fieras se calman con un solo en principio simple y sencillo, pero que rápidamente se adquiere la técnica y sonido que a todos alucina.

Circle of Beliefs:
Velozmente, pasando de lo lento, haciendo un breve solo, acelerando esa batería, añadiendo otro solo, con una grabación que hizo sonar un poco rara la voz de Araya. Se vuelve un caos casi controlado cuando la velocidad se reduce y las guitarras hermosamente adquieren cuerpo de nuevo al lado de ese doble pedal tan retumbante.

SS-13:
Sacada del número de placa de un agente de la Schutzstaffel, el señor Reinhard Heydrich, era el número que usaba en sus viajes de servicio. Pausas y pausas en la batería para que las guitarras se oigan más, qué atractivo truco. Redobles y redobles, riffs fuertes, platillos rápidos y Slayer haciendo lo que mejor sabe. Luego de despistarnos con poca tralla (en términos de velocidad) la batería contundente y los riffs cortantes (no cortados) vuelven a hacer de las suyas con un solo doble increíble.

Serenity in Murder:
Empieza con su riffito medio melódico y luego intenta continuar con la tralla del tema anterior. Araya hizo algo extraño, parece estar dando un adelanto del sonido de Diabolus in Musica con el tono que puso aquí, pero eso se olvida en el (breve) solo y en la tralla que se recupera muy fuertemente.

213:
Jeffrey Dahmer tenía el apartamento número 213. Esta canción va para él. Recordándome al “recorrido” psiquiátrico de Criminally Insane, las guitarras del principio cargan con la discreta demencia de ese hombre. Luego llegan las fieras pesadas, las poderosas y atemorizantes, como el momento en el que las manos del asesino están en tu cuello… La dupla King/Hanneman hace lo suyo mientras la voz de Araya cambia de tono, pasando de la discreción hasta el grito desgarrador cargado de ira.

Mind Control:
La narración perfecta para comprender el por qué de la locura, o dicho de otro modo, la pérdida de la cordura. Pasando de la furia adornada con constantes platillos hasta la caña clásica que Slayer nos sabe dar. Las guitarras estan cargadas con una pequeña melodía que le da seriedad a la canción y la batería esta al tope, aquí finalmente Bostaph aprende a darle con menos fuerza a sus pedalitos. No entiendo porqué Bostaph dijo que este era su disco menos favorito (de Slayer) donde había grabado la batería.

Un detalle para el recuerdo: Fue la primera vez que convirtieron el nombre de Slayer en un acrónimo. Y dice así: Satan Laughs As You Eternally Rot. Significado: Satanás se rie mientras te pudres eternamente, qué lindo pensamiento, ¿no?
Este no fue ninguno de la trilogía mencionada al principio, pero sigue siendo un disco cargado del poder del thrash metal de Slayer. Slayer es Slayer y todos sus discos mantienen su sonido.

Track List

01. Killing Fields - 3:58
02. Sex. Murder. Art. - 1:50
03. Fictional Reality - 3:37
04. Dittohead - 2:30
05. Divine Intervention - 5:33
06. Circle of Beliefs - 4:29
07. SS-3 - 4:06
08. Serenity in Murder - 2:36
09. 213 - 4:52
10. Mind Control - 3:04

Line Up

Tom Araya - Bajo, voz
Kerry King - Guitarra
Jeff Hanneman - Guitarra
Paul Bostaph - Batería

Darkthrone - Panzerfaust

2010-01-12T12:05:00.007-06:00

Los 90’s fueron una época muy productiva y “exitosa” para el black metal más oscuro y malévolo: el black metal noruego. A mediados de aquella década en la que yo nací, 2 años después para ser preciso, Darkthrone publicó Panzerfaust. Bien pues, tengo algunos cuantos colegas del mundo metalero nacional que son adeptos del black metal y en la época en que yo exploraba este subgénero del metal uno de ellos me recomendó a Darkthrone y al Panzerfaust, pues aparentemente era el mejor disco de esta banda e incluso uno de los mejores en el black metal… Entonces lo escuché, escuché los demás discos de dicha banda y llegué a la conclusión de que, haciendo a un lado su breve etapa haciendo death metal, Panzerfaust me parecía verdaderamente el mejor disco de Darkthrone. Considerarlo uno de los mejores del black metal me parece una afirmación arriesgada debido a que aún no cubro por completo tal subgénero…

Valiéndome de mis oídos y también de las opiniones de aquellos colegas, describo el sonido de Panzerfaust como frío, seco, crudo, un disco que demuestra el –considerado por muchos- verdadero lado del black metal (noruego, por supuesto) y demuestra ese lado como un thrash metal seco y crudo como las primeras grabaciones de Venom…

¿Cómo comienza este álbum? Con una brutal distorsión y una aún más brutal batería, trabajo doble para Fenriz en En Vind Av Sorg pero genera el mismo placer para el que lo escuche (siempre y cuando te guste el black metal). Algo muy notorio en la canción y en otras canciones del disco es el uso de una guitarra de “fondo” que funciona como una rítmica y una guitarra melódica, que le brinda sentido épico y trascendental a la canción. La magnífica “guturez” de Nocturno sacude los cabellos que jamás se sacuden y rodean al cerebro con su oscura y maligna aura.

Triumphant Gleam “calma” la sensación que En Vind Av Sorg nos dejó con su ritmo más lento y con un riff inicial más cercano a la primera oleada de black metal. El ritmo cambia, se pone lento y luego retumba en tus oídos cuando se acelera junto a la siempre lenta y tenebrosa voz de Nocturno.

Las distorsiones son lanzadas a los 4 vientos en The Hords of Nebulah con un sonido similar a la intro de Iron Man de Black Sabbath. Fenriz en su batería lenta y a la vez (la magia de la edición) en esa guitarra tan deprimente y oscura… Nocturno descarga sus ráfagas de guturalidad mientras la canción toma más peso.

Hans Siste Vinter suena como En Vind Av Sorg gracias a la guitarra melódica pero el cambio esta en el tono de Nocturno y el hecho de que esta vez cuesta un poco mas de trabajo encontrar la guitarra rítmica de Fenriz. Pero los brutales blast beats no se detienen y la melodía alcanza así más protagonismo al lado de Nocturno.

Unos han dicho que el black metal les da dolor de cabeza y creo que he encontrado uno de esos sonidos que lo provoca. Beholding The Throne of Might comienza con una agudísima distorsión que taladra cerebros y después entra el riff pesadote y poco veloz. Fenriz en la batería suena calmado pero luego le agrega los gloriosos platillos a la ecuación y se genera la atmósfera perfecta de un black metal cercano al thrash. Con 6 minutos de duración hay espacio más que suficiente para tenebrosos alaridos y un atractivo cambio de ritmo que convierte a la canción en algo exquisitamente rápido y muy, muy “blacker”.

Escrita por Varg Vikernes, Quintessence trae a Fenriz enojado con sus 6 cuerdas, pero no la tortura dándole arañazos veloces, sino lentos y más dolorosos, que prolongan su dolor y agonía. Dicha agonía se transmite a la voz de Nocturno que la deja salir a través de gritos guturales. El riff tan hipnotizante es lo más destacable de la canción, más que la letra compuesta por Varg, es un riff tan bien compuesto que si se escuchara en otro disco nunca pensaría que provino de esta banda.

Para acabar, Snø Og Granskog presenta teclados graves (Fenriz de nuevo) y voces de fondo muy Fuertes pero tranquilas, sin ser guturales pero sí muy épicas al igual que ese teclado. Se empieza a oir una batería aparentemente improvisada golpeando platillos y nada más que eso… El “glorioso” disco ha terminado.

Entonces… ¿El mejor de Darkthrone? Para mí, sí. ¿Uno de los mejores del black metal? Ustedes decidan eso. Del 1 al 10 le daría un 9 seguro y redondo.

Track List

1. En vind av sorg (A Wind of Sorrow) - 6:21
2. Triumphant Gleam - 4:25
3. The Hordes of Nebulah - 5:33
4. Hans siste vinter (His Last Winter) - 4:50
5. Beholding the Throne of Might - 6:07
6. Quintessence - 7:38
7. Snø og granskog (Utferd) [Snow and Spruce Forest (Outro)] - 4:09

Line Up

Nocturno Culto - Voz
Fenriz - Guitarras, bajo, batería y sintetizador
Varg Vikernes - Letra de "Quintessence"

AC/DC - If You Want Blood (You've Got It)

2010-01-10T10:58:00.009-06:00

El primer álbum en vivo de la banda Australiana más exitosa. Un año antes de Highway to Hell durante el tour de Powerage. En 1978 estos 5 se propusieron registrar sus giras en un disco para el alucine masivo de sus fans.
Aunque la década de los 70’s es algo conocida por hacer que los grupos sonaran aun más distorsionados, adivinen qué pasó con este álbum: ¡lo mismo jajaja! Las guitarras se convirtieron en perros furiosos con hambre de huesos.

Riff Raff abre el show. Exáctamente con la misma fuerza que en Powerage, ¿y cómo responde la multitud? Pues con el mismo entusiasmo que en ese disco. El público grita y aplaude mientras el duelo entre la voz de Bon y la guitarra de Angus avanza. Al final todos quedan con sonrisa de oreja a oreja por haber oído aquel temazo con los mismos tiempos y cambios que les erizaron la piel dentro de un estudio de grabación.

Hell Ain't A Bad Place To Be perpetua dentro de los oídos a la vez que Bon dice “hey you!”. Las cortadas guitarras que se vuelven pesadas con el constante bajo de Cliff Williams y la provocativa y encarnizada manera de decir “hell” por parte de Bon. Con ese solo que pone a todos en su lugar y les hace moverse tal cual grupo de animales de corral.

Bad Boy Boogie incluye uno de esos juegos con el público similar al de Let There Be Rock, pero antes de llegar a ese jueguito mencionaré lo rápido que aparece el riff principal de aquel pequeño diablo llamado Angus Young. Los cambios de tono, de grave a agudos –pero siempre distorsionados- con magníficos porque dan paso a una interacción con la audiencia que alarga la duración del tema.

Canción para las damas fáciles y los hombres que saben aprovecharlas: The Jack. Lenta, con sentimiento de verdad, con aplausos y elogios de los fanáticos, muy blues rock. Suaves guitarras que se ponen enojadas cuando Bon recita “She’s got the jack” y las damiselas presentes se ponen nerviosas cuando el escocés las señala (pareciera que sabe muy bien quien tiene aquella enfermedad). La gente canta la frase principal como si estuvieran en una iglesia sureña…

Un riff que evoca la imagen de un joven problemático es la marca de Problem Child llena de momentos salvajes de aquella forma de vida que es el por excelencia, un problem child: Bon Scott con alaridos y muestras de carácter seductor en su voz. El control de sus desgarrados agudos son asombrosos aquí.

Whole Lotta Rosie le voló el cerebro a los primeros que la oyeron en Let There Be Rock con esos rapidos cambios y esas increibles guitarras, todo eso se repite, pero en vivo. Mientras la banda toca la intro el público grita repetidamente el título hasta que Bon comienza a “contar” su experiencia. El grito de Bon marca el inicio de la histeria masiva y de la canción. Phill siempre dinámico en esta década lo demuestra con los cambios que acompañan al bajo y las guitarras a la hora del estribillo. Al momento donde la intensidad se baja, luego del solo, todos quedan impacientes por el estallido de poder que da final al tema.

Si tocas rock n roll, estas condenado. Rock N’ Roll Damnation deja claro que Scott no se ha cansado y tampoco Malcolm a la hora de los coros del estribillo. Ese riff que sigue sonando interminablemente mientras las fieras que se hacen pasar por públicos estan atónitos por estar en presencia de la banda. Los pequeños cambios de rudeza a suavidad en el riff y los coros similares a los de niños enojados engrandecen la canción.

Nostalgia. ¿Por qué? High Voltage. Los corazoncitos de los fans más antiguos (en ese momento) no pueden contener la emoción. El cortado y semi melódico riff, los coros tan de… antaño, los ritmos, todo esta puesto sobre un escenario. Qué decir del solo alucinante y entrañable. Interacción con el público diciendo “High!” y el público obviamente repitiendo jaja.

La historia de cómo nació el rock. Let There Be Rock se convierte en un mini festival musical de mas de 8 minutos. Todo esta aquí, el bajo contundente, la batería veloz e incansable y las feroces guitarras. Si me lo preguntan, la canción huele a proto-thrash metal jaja. Esa voz es imparable, cambiante y única, los riffs aparecen sólo cuando se va, mostrando así sus respetos. Las escalas alcanzan proporciones épicas y luego, siguen rugiendo cuando el mandato de Bon Scott es ordenado. ¡Las armonías son alucinantes! Comienzan a hacer ese pequeño –y posteriormente largo- juego del “tan-tantantan-tan-tantantan…” y así hasta hacerlo muy, muy rápido… ¿Qué sería de la presentación de este tema sin eso o sin los improvisados solos de Angus que le dan más originalidad?

Rocker al principio no se entiende del todo el riff pero después empiezas a saber en qué canción te encuentras. Bon revela 2 posibles cosas: 1. Ya esta cansado o 2. Ama tanto esta canción que se suelta por completo. Quien guste opinar sobre eso es libre de hacerlo. Incluye ahora solos muy veloces y como siempre la batería de Phill veloz como en Dirty Deeds Done Dirt Cheap. Los geniales versos de Bon suben el ánimo y el humor mucho más que en el álbum y así concluyen su concierto, con los estruendosos platillos y riffs por doquier.

Y ya sabemos qué pasó después…

Track List

1. Riff Raff – 5:10
2. Hell Ain't a Bad Place to Be – 4:02
3. Bad Boy Boogie – 7:35
4. The Jack – 5:43
5. Problem Child – 4:32
6. Whole Lotta Rosie – 5:20
7. Rock 'n' Roll Damnation – 3:30
8. High Voltage – 5:05
9. Let There Be Rock – 8:15
10. Rocker – 3:00

Line Up

Bon Scott - Voz
Angus Young - Guitarra principal
Malcolm Young - Guitarra rítmica, coros
Cliff Williams - Bajo, coros
Phil Rudd - Batería

Holy Moses - Finished with the Dogs

2009-12-25T11:53:00.006-06:00

“Pilares” tal vez suene exagerado, mejor digamos “influyentes”. Y es que lo son, Holy Moses no solo fue una de las primeras bandas alemanas de thrash metal sino que también fue una de las primeras en tener una vocalista femenina: Sabina Classen. De no ser por ella y otras féminas probablemente hoy no nos deleitaríamos con Angela Gossow… Pero bueno, eso es tema para otro día. Finished with the Dogs fue apenas su 2do disco y a pesar de que la producción no mantuvo a los instrumentos tan bien definidos como en Queen of Siam (álbum debut), la maquinaria thrasher no deja de sentirse. Así que aprovechando esta Nochebuena –momento en que escribo esto- los meteré de lleno en este discazo alemán.

El título del álbum es la primera canción. Y ya desde ese primer riff enfermizo que se convierte en una sierra –como todo lo que esta por venir- empiezas a mover tu cabeza de adelante hacia atrás. Sonará trillado, pero cuando escuché este tema pensé que Sabina era un hombre… en fin, Uli –baterista- se la pasa haciendo redobles de miedo y unos ritmos velocísimos cuando Sabina y Andy repiten el estribillo. Todo pasa muy rápido, en menos de 3 minutos, pero sientes que es una eternidad, tanto así que te quedas con ganas de más cuando la canción termina.

Current of Death es otra muestra de brutalidad, a excepción de esos coritos que gritan… bueno, todo se une para formar el tema ¿o no? Aquí viene el primer solo del álbum interpretado por Andy, breve pero bueno (hablo del solo de guitarra). Los coros vuelven y la canción avanza hasta acabar. Es interesante el parecido que tiene esta canción –en sonido- con los temas de Sodom en Agent Orange, específicamente con el tema Tired and Red.

Medio atontada suena la bateria de Uli en Criminal Assault pero uno no se da cuenta de eso con la combinación Andy/Sabina (guitarra/voz). ¡Otro solo! Igual de breve pero se aprecia más por 2 cosas: 1. Sabina recita unos versos muy sensualmente –aquí descubres que es una mujer- y 2. Andy se avienta otro par de solos aparentemente improvisados.

In the Slaughterhouse presenta los primeros tonos tenebrios del álbum y un mayor protagonismo de Andre y su bajo, muy a lo “Motörhead – Speedfreak” (donde el bajo de Lemmy nunca se pierde). Perfectamente ejecutados los ritmos que, junto al bajo, distorsionan y casi esconden el sonido de la guitarra, solo te fijas en ella por que la voz de Sabina la resalta. Y con la misma tenebrosidad que comienza, acaba.

Si el tema anterior tuvo un cierto sonido de miedo, el que viene, , Fortress of Desperation es el que te mete en la atmósfera perfecta de suspenso. Bajo y guitarra fusionados y un trasfondo misterioso junto a riffs que reflejan demencia y temor. Voces que susurran y rien, y una Sabina que canta acorde al ambiente que emana de los riffs de su esposo. Posiblemente el tema más lento del disco.

Volvemos a la caña. A los feroces ritmos y aserrados riffs. Six Fat Women adquiere un sonido casi tribal entre verso y verso gracias al trabajo de Uli en la bateria, gracias a los graves coros que pronuncian el título de la canción y gracias a los destellos de inspiración salidos de la guitarra de Andy. El protagonismo de Sabina es considerablemente menor aquí que en los temas previos, pero al menos así hay más espacio para la magnífica agresividad alemana.

Andre se vuelve a lucir en Corrored Dreams, un “bajeo” constante al principio que se hace menos evidente y a la vez siempre presente cuando el riff entra en acción. Pasan casi 2 minutos del tema sin una sola voz, solo una gran gama de expresiones guitarreras y baterías que hacen uso de todo su set. Finalmente entra Sabina justo a la mitad de la canción y todo se va al infierno (en buen sentido), Uli se acelera genialmente y vuelve a su doble pedal mas notoriamente que antes mientras Andy se luce.

Life’s Destroyer nos hace volver al mundo del terror con esos susurros de Sabina muy a lo “Venom – Buried Alive”. Tiene tantos detalles para resaltar, como el riff en sí mismo, el modo en que recitan el título del tema, el solo de Andy y el ritmo que todo esto lleva, pues a la hora del enfermizo final del solo la batería pierde control… Y todo vuelve a quedar bajo el mando de Sabina.

Rest in Pain es de lo mejor del álbum. Ese bajo/guitarra melancólico entre los primeros riffs y mientras el transcurso de la canción, siendo interrumpido solo por unos cuantos delicados versos de Sabina. Ahh pero no se confundan, la brutalidad de Sabina reaparece cuando menos se lo esperan y eleva esta canción a la categoría de auténtico thrash metal alemán.

Military Service (algo muy amado por los alemanes) parece estar en la misma línea que Rest in Pain hasta que se marca bien donde comienza una y termina la otra. Hay más melodía por parte de Andy y lo que vuelve pesada a la canción es el bajo de Andre. La guitarra de Andy “desciende” para darle atmósfera al asunto y “asciende” para volver más épico el tema hacia el final con un gran solo que realza todas sus intenciones.

Para acabar, una regrabación (re-record) de Roadcrew (de su primer álbum), pero titulada Road Crew -énfasis en el espacio entre cada palabra), cantada por Andy (en ambas versiones). Es en esta canción donde se nota la gran diferencia de producción. Primero, por que el bajo resuena más aquí y no la guitarra, como en la original. Segundo, tiene elementos añadidos como un “mini-mini-mini-solo” ejecutado por Andy antes de ponerse a cantar. También se pierden las voces durante los coros, aunque al menos esas líneas melódicas ya no estan, lo que sí esta son esos solos bien improvisados y un doble pedal al estilo de Dave Lombardo en Angel of Death al final del solo. Más alaridos y rabia mejoran la canción, por eso mi indecisión de qué versión es mejor.

¿Fue o no fue un gran recorrido? Como sea, el trabajo hecho por esta banda aquí fue asombroso, tal vez no divino, pero asombroso sin duda.

Track List:

Finished with the Dogs
Current of Death
Criminal Assault
In the Slaughterhouse
Fortress of Desperation
Six Fat Women
Corroded Dreams
Life's Destroyer
Rest in Pain
Military Service
Road Crew

Helloween - Walls of Jericho

2009-12-17T18:01:00.006-06:00

Alemania, ese pais de locos que producen grupos de metal tan brutales y legendarios… Alemanes, alemanes son los Helloween y su primer LP: Walls of Jericho. Este no fue el primer Helloween que conocí pero fue el que me hizo sacudir más la cabeza, aún más que con Kiske y mucho más que con Deris, aquí, con Kai Hansen y su especial voz, su técnica en la guitarra y sus letras. Este fue el Helloween que estuvo más cercano al thrash/speed metal (principalmente “speed”). Para no hacer largo el cuento comenzaré, tratando de ser breve pero detallista.

Walls of Jericho solo es la intro. Es una intro que para criterios modernos resulta tonta o ridícula, pero sin embargo ayuda a “fundirte” dentro del disco. La primera vez que la oí sentí –gracias a esa orquestación- que vivía dentro de esos muros (los Muros de Jericho, pues). Pero ese trueno al final me dio entender que algo le sucedía a mi “hogar”. La próxima canción confirmaría mis temores.

Ride the Sky es un tema que habla de la liberación, de arrasar con las barreras que nos encierran (los muros) y surcar el cielo, experimentar la libertad al mismo grado que un ave lo haría, pues de todos los seres, ellas son las que tienen más libertades. Aunque esos riffs tan rápidos y feroces eran de cuidado, el grito de Kai que se hacía uno con la atmósfera me calmó y me dio a entender que lo mejor estaba por venir. Ya desde esta canción Markus muestra sus geniales líneas de bajo y Kai con Michael hacen lo que mejor saben en la guitarra. Esta es una canción que incluye los toques del thrash metal americano (Metallica – Ride the Lightning) pero poniéndole melodía y tonos que vuelven tan especial a esta canción.

Reptile esta compuesta –musicalmente- con un estilo más ironmaidenesco, bueno, no en todo el tema, pero sí en ciertas partes. Markus muestra más melodías graves mientras Kai canta afiladamente pero siempre conservando su agudez. Estribillos tenebrosos –o que intentan serlo- y solos que se difuminan a la perfección con las líneas del bajo. Terminando la canción con un ‘you’ muy extendido y un magnífico “rugido” de reptil –todo esto de parte de Kai-. Las primeras estrofas cargan con referencias de cuando los experimentos científicos se pasan de la raya y engendran atrocidades que nos ponen a todos en peligro y que ni siquiera ellos pueden remediar o combatir…

Guardians nos reubica dentro de los muros, pues habla de aquellos valientes guardianes de nuestras vidas, que nos protegen de los peligros exteriores. Claro que, cuando los versos son pronunciados de manera tan épica por Hansen y Cia, el sentimiento de protección, pero también sientes como tanta protección se convierte en un encarcelamiento… Con un inicio indescriptible y enmarañado, de medios tempos a lentitudes moderadas (no es lo mismo, se los aseguro), plagada de esos coros angelicales en las últimas repeticiones del estribillo. Bajo y guitarra unidos, el bajo se separa un poco para mostrar severidad y fuerza y así terminar con la canción.

Phantoms of Death y su pequeño parentesco con Two Minutes to Midnight de Iron Maiden. Y su también pequeño grito que da inicio a los versos y a los ritmos que aparentan salirse de control junto con esas melodías acomodadas de una manera poco peculiar. A pesar de que la muerte es parte de la vida, estos fantasmas abusan de su poder y toman la vida de cualquiera aquí, dentro de nuestros bellos muros (de Jericho). Puede que no este bien que lo hagan pero la vida aquí puede volverse tan sofocante que la mejor liberación es la muerte… para poder cabalgar en el cielo. Solos turnados entre Michael y Kai (en ese orden), para después hacerlos al mismo tiempo llenando los oídos de magnificencia.

Metal Invaders no es sobre caballeros, en caso de que alguien se tomara de manera literal el título. Se trata de invasores de verdad (ya saben a qué me refiero, no me hagan tener qué escribirlo), invasores que llenan las calles bajo la luz de luna. Invasores que vuelan como demonios venidos del infierno, pero su origen es diferente. Guitarras difícilmente identificables, pero un bajo resaltante es el que te guía para hallar la melodía que te lleva hasta el solo de ambos guitarristas. Llenos de malas intenciones ni los increíbles gritos de Kai ahuyentarán a los invasores de metal… Llenos de tanto poder que probablemente nuestros guardianes serán inútiles ante ellos…

Gorgar tiene bien definidos a los 3 instrumentos en su pequeña introducción, con las guitarras haciendo buenas melodías, el bajo en sus líneas y la batería engrandeciendo el sonido. Esta melodía obtiene un tono de demencia conforme avanza la canción así como el bajo. El gorgar es un monstruo, un monstruo hambriento que no busca vidas, sino una trivialidad: busca dinero. Gorgar es una máquina de pinball que te seduce a tu mente para que lo alimentes. Mientras avanzas en la canción notas que el riff adquiere ese tonito de canción en época de Halloween, casi recordándome a Judas Priest en sus primeros discos.

Heavy Metal (is the Law) es donde Ingo se luce, pero su primer riff se parece mucho al de Ride the Sky. Es de las pocas canciones que no tienen algo en común con la idea de los muros (de Jericho) dentro del disco, pero habla de los placeres que proporciona el metal y propona al heavy metal como una ley, no, no solo como una ley, sino como LA ley. Es un tema veloz que dura 4 minutos pero que termina más rápido de lo que quisieras. Escuchas perfectamente el pequeño duelo que se dan las guitarras y al mismo tiempo escuchas al bajo en solitario haciendo escalas, hasta que la voz de Kai enuncia las palabras ‘heavy metal’ (extendiendo más el ‘heavy’).

How Many Tears mantiene a Ingo con un ritmo tan veloz como en el anterior tema. Es la última canción y la más larga, también es la más sentida y emotiva, pero tiene un buen sonido, un sonido agresivo que te hace escucharla. Las líneas de bajo parecen una combinación o un reciclaje de las líneas de bajo en las canciones anteriores, pero de tal forma que las guitarras suenan mejor (¿?). Kai lanza un espectacular grito para comenzar su solo medio frenético y lleno de riffs para turnarse con Michael. Después de esto es cuando la parte emotiva comienza, el tiempo se te hace lento porque la canción ha bajado mucho la velocidad, por más que los riffs se carguen de fuerza y el solo sea precioso, todo transcurre más lentamente y esperas –dependiendo de tu estado de ánimo- que nunca acabe. Aunque esto es una mentira, pues Ingo señala el regreso de la brutalidad cuando menos te lo esperas y el solo continúa trayendo de vuelta a la vida a Kai y su voz, alcanzando tonos celestiales hasta el final para cerrar con un grito y una batería lista para terminar el trabajo.

Habrán notado que mencioné a Ingo en pocas canciones pero que Markus casi siempre era tomado en cuenta. Hay una razón para esto: el trabajo de Ingo es menos destacado aquí que en los trabajos posteriores de la banda. En el caso de Markus, el sonido de su bajo resulta tan conmovedor en este álbum que merece tantas menciones. Los 4 cuernos son una calificación adecuada para este trabajo ya que esta perfectamente elaborado, exceptuando uno que otro reciclaje de riffs, no de versos… Pero son esas excepciones las que le dan los 4 cuernos. Ahora, salgamos de estos muros y atrevámonos a soñar con surcar el cielo…

Lista de canciones

1. Walls Of Jericho – 0:53
2. Ride The Sky – 5:54
3. Reptile – 3:45
4. Guardians – 4:20
5. Phantoms Of Death – 6:33
6. Metal Invaders – 4:08
7. Gorgar – 3:57
8. Heavy Metal (Is The Law) – 4:08
9. How Many Tears – 7:11

Créditos:

Kai Hansen - Guitarrista, vocalista
Michael Weikath - Guitarrista, idea de la portada
Markus Grosskopf - Bajo
Ingo Schwichtenberg – Batería

Songanálisis #4 Stone Cold Crazy - Queen

2009-09-18T12:34:00.005-05:00

La 8va canción del disco Sheer Heart Attack, tal vez una de las primeras canciones del thrash metal o incluso el power metal. Definitivamente, en el momento en el que Queen grabó este tema solo se le podía considerar como Heavy Metal, al igual que varios otros temas dentro del disco.
Una buena guitarra, siendo forzada con su palanca, abre la canción y presenta ese veloz, furioso y peligroso riff tan pesado y cool que de seguro procreó a uno que otro headbanger. Totalmente thrasher, la estructura de ese riff cambia, pasando de lo veloz y furioso hasta la locura total para así revelar el solo de guitarra lleno de inspiración y/o aparente improvisación. Una gran labor de parte de Brian May.Qué decir del bajo de John Deacon, siguiendo los pasos de Brian con sus rapidísimos dedos. Durante el solo, el bajo de Deacon alcanza los mismo niveles de demencia que la guitarra pero nunca pierde su línea, haciendo más pesada a la canción. Roger Taylor, como muchos bateristas de los 70's era/es todo un genio. Solo él arreglaría esos ritmos: los leves platillos del principio, los fuertes toms del ritmo principal, los fieros platillazos del puente y los estribillos. Ese tipo de elementos serían incluidos en géneros posteriores, añadiéndoles más brutalidad. Por último pero no menos importante (tal vez el mas importante), Freddie Mercury y su inmortal voz no falta aquí. A lo largo del disco demuestra bastante bien su manejo de los agudos, pero es aquí donde esos agudos se cargan con rabia y locura total, misma locura contagiada por el entusiasmo de la banda en la grabación de este tema...

Callado por el bien de los demás: Black Bolt

2009-09-17T14:56:00.007-05:00

Blackagar Boltagon es el legítimo rey de los Inhumanos. Posee uno de los poderes más destructivos de su raza: su voz. Desde su niñez se le mantuvo en un ambiente especial donde su voz no causara daños. Fue liberado al llegar a la semiadultez bajo el juramento de jamás hablar. Desafortunadamente tuvo que romper ese juramento cuando vio a su hermano Maximus negociando con unos Kree, cuando Black Bolt los ve usa sus poderes por primera vez, derribando la nave de los Kree. Sin embargo Blackagar nunca creyó que esa nave se estrellaría en el Consejo Genético Inhumano, donde se encontraban los padres de Maximus y Blackagar, este hecho indujo a Maximus a un estado de locura... Como gobernante de Attilan, la ciudad de los Inhumanos, Black Bolt ha tenido que aliarse a los héroes del resto del mundo aunque a pesar de esto su raza es desconocida para el resto de la humanidad. Esta casado con su prima Medusa, y al lado de sus primos Gorgon, Karnak, Triton, y Crystal, conforman a la Familia Real (Inhuman Royal Family). Su primera aparición ocurrió en la última viñeta de Fantastic Four # 45, en diciembre de 1965.
Finalmente, dejo un video tributo a Black Bolt, con la canción Shout (recortada), de una banda tipo New Wave: Tears for Fears...

La belleza de las arañas: Ultimate Spider-Woman

2009-09-16T00:03:00.006-05:00

El día de hoy cambio un poco de tema este blog, gracias a la maravilla de divagar en la noche hoy les contaré la historia de la versión Ultimate de Spider-Woman, un personaje que ha sido de bastante apoyo para Spider-Man en los años mas recientes. Proveniente porsupuesto de la Marvel Comics. Pero como algunos han de saber Marvel Comics creó a finales de los 90's y principios del nuevo milenio la línea de títulos Ultimate donde se relatan los orígenes y aventuras de los personajes clásicos pero con un toque moderno y más adaptado a nuestros tiempos. Dentro de las sagas de Spider-Man, una de las más conocidas e incluso odiadas fue la Saga del Clon. Dicha saga contaba la historia de que el Peter Parker que todos conocemos era enrealidad un clon... Sobra decir que la idea provocó una que otra cacería de cabezas dentro de las oficinas de la editorial. Digo esto para entrar en materia al tema, resulta que una saga así no podía escapar al Universo Ultimate. Esta nueva versión, publicada en el 2006, trae consigo más clones que en el universo Marvel ya conocido, aparentemente aquí tenemos 5 clones de Peter Parker: Tarantula (un clon con 6 brazos), Kaine (un clon lleno de cicatrices y heridas), Scorpion (un clon con poderes de escorpión y no de araña), Richard Parker (un clon envejecido que se hace pasar por el padre de Peter) y Spider-Woman (la que nos ocupa hoy, un clon de Peter al que se le quitó el cromosoma que la convertiría en hombre). Aquí no es The Jackal quien hace a los clones, sino el Dr. Octopus quien también clonó a Gwen Stacy, dándole los poderes de Carnage, aquel que originalmente la mató. Adelantando los hechos, para no aburrirles, la historia de Spider-Woman comienza así:

En los laboratorios de Otto Octavius (Dr. Octopus), Ben Reilly, el asistente del Dr. Conners provee a Octavius con una muestra del ADN de Peter Parker. Octavius en su trabajo por conseguir el mayor logro científico desde que Bruce Banner se volvió Hulk, bioingerta a varios de los clones, altera sus pares de cromosomas, le implanta recuerdos a uno de ellos, a quien también provee de un envejecimiento acelerado. Según cuenta la mismísima Spider-Woman, tiene 1 mes de vida, y cuando nació fue Reilly quien le dio el nombre de Jessica Drew. Cuando el proyecto Carnage, es decir, Gwen Stacy escapa del laboratorio, libera por accidente a los clones. Confundidos y sin saber qué hacer cada uno toma su camino. Resumiendo, Jessica encuentra a Peter para llevarlo al lugar de reunión, donde encuentra a Kaine tratando de calmar a Mary Jane mutada con la fórmula Oz (la forma de Norman Osborn). Al confrontar a Octavius él revela que tiene un control sobre el metal parecido al de Magneto, los sobrevivientes, Peter y Jessica (ya que Tarantula fue asesinado por Octavius, Kaine fue eliminado por los Spider-Slayers de Nick Fury y el Scorpion se encuentra bajo custodia de los Fantastic Four) luchan fieramente contra el científico hasta vencerlo juntos con un solo golpe final. Jessica decide irse para evitar riesgos de ser arrestada por Nick Fury. Un día después de estos sucesos, Peter regresa a la guarida -una vieja bodega de Oscorp, de Norman Osborn- y encuentra a Jessica. Finalmente se despide de ella en el "abrazo mas incómodo del mundo", según palabras de Jessica (qué es mas incómodo que abrazar a un clon femenino de uno mismo). Números después, Jessica vuelve, haciendo esta vez el trabajo de héroe como Peter... Basicamente Jessica cumplió el papel que Scarlet Spider hizo en la saga original de los años 1994-1996.
El origen de Jessica presentado en el universo Ultimate es mas original y cumple doble función como ya dije, solo imaginar encontrarse con un clon femenino/masculino de ti es... Asombroso.

Songanálisis #3 Ride The Lightning - Metallica

2009-09-13T20:58:00.007-05:00

La 2da canción del 2do álbum de Metallica. Esa es la que me tiene ocupado hoy. Ride The Lightning. Todos conocemos bien algunas de las críticas del disco en general, pero aquí me concentraré en la canción.
Recordando los gloriosos días de Cliff Burton en el bajo de Metallica, nos regala el gran peso de su instrumento en la melódica introducción del tema. Sientes esos "tum" del bajo retumbando y haciendo vibrar tus bocinas. Y no solo se nota en la introducción, acompaña a las guitarras durante el riff, que sin ese bajo no sonaría tan bien estructurado. La outro es similar a la intro pero mientras llegas de una a otra ese bajo ya forzó tus oídos para que el sonido entrara en ellos.
James Hetfield y Kirk Hammet trabajaron muy bien sus guitarras, llevando riff tras riff a nuevas alturas gracias al magnífico tono del thrash metal. La melodía de la intro se vuelve nada con la tralla de los riffs en la canción, de lentos heavys pasan a veloces thrashers. Acompañan los redobles de la batería con fuertes rugidos que desembocan en el 2do solo (así es, el 2do es mejor que el primero). Es un solo especial porque "emerge" de entre la velocidad que las guitarras van ganando y, cuando emerge dentro de ti se genera un sentimiento épico que eleva tu mente a lo más alto, perfecto lugar para comenzar con el headbanging.
¿Y dónde o qué hace Lars Ulrich? Él esta haciendo lo que mejor sabe (después de su habilidad para oler dinero, claro). Acompañando con el pedal a Burton en la intro, volviéndose un demonio a toda velocidad o simplemente dándole buenos golpes a sus tambores a la vez que hace sus redobles.

Songanálisis #2 Ram It Down - Judas Priest

2009-09-13T15:21:00.003-05:00

La primera canción del álbum Ram It Down, en el intento de reconciliarse con sus fans defraudados por Turbo. De entre las bajas ventas que recibió este disco, e incluso las malas críticas, el tema título es uno que merece los mejores honores.

Rob Halford abre la canción con un potente grito digno del avance de las hordas del metal. A pesar de despliegues así se decía que siempre mantenía el mismo tono, no solo en la canción, sino en todo el disco. Pero, si no cambia el tono, eso hace sonar la canción aún mas heavy. Ya ni sé cuantas veces he oido que digan que el tema Exciter suena menos heavy por los agudos agudísimos de Halford. Esos coros no sonarían así con voces agudas, se mantienen a un tono standar para resonar como el grito de guerra de las hordas que atacan.
Ahora esos 2 endemoniados guitarristas, K.K. Downing y Glenn Tipton. Estos 2 compusieron el increíble riff, uno que presenta varios rasgueos bastante veloces, haciendo brevísimas pausas para pasar al siguiente rasgueo, todo esto solo para componer el riff básico. A la hora del solo se convierte en una masacre de notas agudas, las escalas inundan el aire através del cual el sonido se transporta. ¡¡¡Es un solo hecho para reventar y/o derretir cerebros!!! Luego de eso vuelve al riff mientras dejan escapar unas cuantas notas para hacer todo más épico.
Ian Hill y Dave Holland hacen lo suyo en el ritmo, el baterista que tocaría con los Metal Gods por última vez en este álbum hace uno de los ritmos más veloces y demoledores de su carrera con redobles que parecerían imposibles. El buen bajista hace lo suyo siendo el compás de las guitarras, incluso mientras ejecutan el ya mencionado solo doble.

Songanálisis #1 Aces High - Iron Maiden

2009-09-10T23:01:00.007-05:00

¿"Songanálisis"? ¿Qué demonios es eso? Sencillo, en mis ratos de gran inspiración el nombre surgió en mi mente como la combinación de las palabras "song(canción)" y "análisis", creando así el "songanálisis". Por mas ridículo que suene el nombre (porque lo suena) he decidido crearlo para traerles cada cierto tiempo un análisis de alguna canción clásica en el metal, inaugurando esta 'función' se encuentra el tema que hoy nos ocupa.
Ésta es la primera canción del Powerslave, lanzado en 1984 por Iron Maiden. Comenzaré con mi análisis. En términos instrumentales, el track es una compleja mezcla de armonías melodiosas que se dejan oir desde la introducción hasta el primer riff. El trabajo de Steve Harris en el bajo destaca entre las guitarras de Adrian Smith y Dave Murray. Los bien acompañados riffs se intrincan entre sí mientras ese bajo pasa de lo constante hasta las escalas más melódicas.
Líricamente, la canción habla de un piloto de la Real Fuerza Aérea Británica luchando contra la Luftware alemana, remontándonos a un suceso histórico: La batalla de Inglaterra, la primera batalla desarrollada totalmente en los cielos del Reino Unido. Como buenos británicos, Iron Maiden no podía dejar pasar la oportunidad de componer una canción basada en tal hecho histórico.
Por último mencionaré el increíble falsetto de Bruce Dickinson al recitar el estribillo del final, los solos de Adrian y Dave, el 'riff solo' donde el bajo de Steve resuena y retumba oidos y los endemoniados ritmos de Nicko McBrain en su batería. Al oir tal combinación sientes como si estuvieras en la cabina de un avión de combate, viviendo para volar, volando para vivir, tal y como Eddie lo demuestra en la portada del single...

El pequeño homenaje que nadie notará

2009-09-10T21:53:00.006-05:00

El día de hoy he preparado un pequeño homenaje a 3 bandas y a un músico, el cual estuvo en esas 3 bandas. El músico en cuestión es Ricardo Iorio, primero bajista y después vocalista, de pensamientos poco aceptados en su sociedad pero eso no le quita lo gran músico que es. Las bandas son: V8, Hermetica y Almafuerte.

V8 fue, después de Riff, una de las bandas que comenzaron el desarrollo del metal en Argentina. La mayoría de sus integrantes formaron parte de las bandas mas importantes de dicho país cuando V8 se separó. Luego de 3 discos, V8 se disuelve en 1986 por diferencias creativas entre Iorio y sus colegas.

Hermetica fue la siguiente banda anexada a la carrera de Ricardo. Esta vez Iorio pasó del heavy metal al thrash metal, volviendo a Hermetica una banda que hasta ahora sigue siendo de las mas influyentes en todo el metal argentino. Un motivo de esta influencia se debe a las letras que frecuentemente iba desde la crítica a la sociedad hasta lo más filosófico. Su separación ocurrio en 1995, nuevamente, por conflictos internos.

Almafuerte, desde 1995 ha sido la banda de Iorio, presentando influencias de Motörhead y un sonido más cercano al de Hermetica, pero con Ricardo en la voz haciendo que sean un power trío verdaderamente brutal. Afortunadamente estos aun no se separan, pero de hacerlo, estoy seguro de que Ricardo Iorio no tendría problemas para juntar a un nuevo grupo y darle a Argentina una buena dosis de metal.

Me despido, ¡deseándole larga vida a Ricardo Iorio!

Los Comics y el Metal... Conclusión

2009-09-10T13:47:00.003-05:00

Se dice que los comics son cosa de niños, de inmaduros, de raros, nerds freaks, etc... Pero entonces, ¿qué es lo que tienen de diferente los comics del metal? Pensémoslo bien: grupos tan extremos como Slipknot no son mas que un conjunto de chicos raros y un poco anti-sociales (característica también de los lectores de comics). Otro ejemplo es Gene Simmons, bajista/vocalista de Kiss, se dedicaba a hacer su propio comic mientras iba a la primaria, también confiesa que las alas de su disfraz estan inspiradas en Black Bolt, un superhéroe de Marvel Comics. Anthrax, de los 4 Grandes del Thrash Metal escribían sus letras basados en los comics que tanto leían.
Y ahora pasaré al tema de "cosa de niños"... Durante la Segunda Guerra Mundial, un niñito no hubiera entendido la importancia de que existieran personajes patrióticos como el Captain America en momentos de gran crisis e inseguridad. Un niño no comprendería la seriedad de personajes como Batman, en fin, no digo que los niños sean tontos, digo que la seriedad abunda en los comics y en ocasiones no se percibe correctamente.
¿Cosa de nerds? Reed Richards de los Fantastic Four, Spider-Man, Bruce Banner (Hulk) también son nerds pero nadie se mete con ellos (excepto sus enemigos, claro). Tomando a Spider-Man como un caso interesante, los comics ayudan a dar lecciones importantes, ¿o acaso "un gran poder conlleva una gran responsabilidad" no es algo que todos deberiamos tener tan claro como Spidey lo tiene? Cuantos músicos del metal no eran unos ratones de biblioteca en su juventud, y ahora todos son admirados (unos mas que otros) por cientos de fans.
Finalmente, "inmaduro" puede entenderse como estar en contacto con tu parte mas joven, aquel "niño" que se maravillaba viendo a sus heroes luchando en cada viñeta contra terribles malvados... ¿El metal no es lo mismo, pero expresado con música?
Solo es un pensamiento, uno que he tenido desde hace un buen tiempo...

Los Comics y el Metal... Parte 2

2009-09-09T21:04:00.009-05:00

Venom y Carnage son 2 supervillanos de Marvel Comics pero resultan ser también 2 bandas de metal extremo...

En 1982, los británicos Venom publicaron más aclamado y famoso álbum: Black Metal. Este trabajo, a pesar de tener la característica veloz de la NWOBHM, incluía los elementos para el futuro thrash metal y black metal que hasta la actualidad son subgéneros permanentes en el metal. Las similitudes con el personaje de comics son pocas, pero la principal es la brutalidad que el personaje tenía en sus inicios (y que se conserva hasta ahora), con la brutalidad de la música dentro del álbum.

Una pequeña (y muy conocida) muestra:
Black Metal

Carnage fue una banda sueca de death metal, se les recuerda debido a que su guitarrista era Michael Amott, futuro fundador de Arch Enemy. A los que no sepan de este disco les diré que tiene la brutalidad que el death metal sabe dar, a esto agréguenle la nacionalidad sueca (carácter fuerte incluido) y obtendran esta joyita del death metal sueco. Curiosamente aquí hay un gran parentesco con el personaje de comic, Carnage es un asesino serial y el death metal resulta el subgénero perfecto para dedicarle canciones, además la portada se parece al aspecto típico del personaje.

Y no miento:
Torn Apart
Nuevamente, los grupos no fueron creados basados en el personaje (al menos en Venom) pero la música transmite las mismas emociones que ambos evocan en las historias donde participan...

Los Comics y el Metal... Parte 1

2009-09-06T11:54:00.007-05:00

Iron Man y War Machine son 2 superhéroes de Marvel Comics, sin embargo también resultan ser 2 canciones (o más) en el mundo del metal.

Iron Man viene incluida en uno de los mejores y mas conocidos discos de Black Sabbath, Paranoid. Esta canción es, para muchos, una de las mas influyentes en la historia del metal. Con solo oirla se notan los desarrollos de súbgeneros como el Doom Metal, Heavy Metal, e incluso Power Metal. La banda se merece aplausos por la composición, los ritmos de Bill Ward tratando de imitar el riff de Tony Iommi secundado por Geezer Butler y la potente voz de Ozzy Osbourne...
Confírmenlo ustedes mismos:
Iron Man

War Machine es la última canción del disco Creatures of the Night del grupo Kiss. El disco es considerado uno de los mas pesados de la banda, y la canción no se queda atrás. Este tema trae increíbles muestras del sonido heavy gracias a la batería de Eric Carr, las guitarras de Vinnie Vincent y claro, la nada ligera voz de Gene Simmons...
Si no me creen aquí tienen:
War Machine
Si bien las canciones no fueron escritas precisamente para los personajes, el sonido de cada composición encaja a la perfección con la idea del personaje, ¿no les parece?